Spectacole Babel

ENGLAND

Emily Carding

Caliban’s Codex

Written and directed by John Knowles 

Performed by Emily Carding

SINOPSIS

"There is no welcome here for you, your kind, Mankind, for there is nothing kind in man." Caliban's Codex is a new solo show by Hastings-based writer John Knowles, created with award-winning actor Emily Carding (Richard III (a one-woman show), Hamlet (an experience) - Brite Theater). It is an intense and personal post-script to Shakespeare's The Tempest, presenting the events of the play from Caliban's perspective and exploring his life alone on the island after everyone else has left.

In the twelve years since Prospero's departure, Caliban has painstakingly sifted through the ashes of the books of magic, slowly piecing together a way to save his island from mankind's abuse. By turns both magical and disturbing, Caliban's Codex offers an insight into one of Shakespeare's most mysterious characters, revealing him to be much more than the much-maligned monster he is often taken for.

Nominated for several awards at Prague Fringe 2018, including Best Performance. A filmed version was nominated in 2023 for both Best Director and Best Lead Performance by Scenesaver.

"...for excellent storytelling, exquisite writing and an abundance of magic, loss and despair, this performance really hit its mark." —Broadway Baby

„Nu există nicio urare de bun venit aici pentru tine, pentru neamul tău, Omenire, căci nu există nimic bun în om.” Codexul lui Caliban este un nou spectacol solo, a lui John Knowles, originar din Hastings, creat împreună cu actrița Emily Carding (Richard III (un spectacol de o femeie), Hamlet (o experiență) - Brite Theater). Este un post-scriptum intens și personal la Furtuna lui Shakespeare, prezentând evenimentele piesei din perspectiva lui Caliban și explorând viața lui singur pe insulă după ce toți ceilalți au plecat.

În cei doisprezece ani de la plecarea lui Prospero, Caliban a cernut cu grijă cenușa cărților de magie, reconstruind încetul cu încetul o modalitate de a-și salva insula de abuzurile omenirii. Magic și tulburător, Codexul lui Caliban oferă o perspectivă asupra unuia dintre cele mai misterioase personaje ale lui Shakespeare, dezvăluindu-l ca fiind mult mai mult decât monstrul mult-hulit cum este adesea considerat.

Nominalizat la mai multe premii la Prague Fringe 2018, inclusiv pentru cea mai bună interpretare. O versiune filmată a fost nominalizată în 2023 pentru cel mai bun regizor și cea mai bună interpretare principală de către Scenesaver.

„...pentru povestirea excelentă, scrierea rafinată și o abundență de magie, pierdere și disperare, această interpretare și-a atins cu adevărat scopul.” —Broadway Baby

PREZENTARE ARTIST

Emily Carding is an experienced Shakespearean actor, having appeared in over twenty of Shakespeare’s plays on stage and screen. They hold a BA in Theatre Arts from Bretton Hall and an MFA in Staging Shakespeare from the University of Exeter. Emily and Brite Theater have created innovative shows like Hamlet (an experience) and Richard III (a one person show), both of which have won international awards and rave reviews. These adaptations use the audience as characters, creating an immersive experience with minimal props. Emily is also an accomplished screen actor, appearing in the British horror hit Ghost Stories and the upcoming Return to Silent Hill (2024).

In 2018, the London Science Museum commissioned Emily to create a solo piece inspired by Mary Shelley’s Frankenstein. Quintessence imagines a future where humanity is recreated by an AI using Shakespeare as a guide. This won the outstanding theatre award at Brighton Fringe in 2019, and a new version is being developed with director Susan Luciani.

Emily is also a published creator of popular Tarot decks, including The Transparent Tarot and Tarot of the Sidhe, and author of esoteric works like Faery Craft (2012), So Potent Art: The Magic of Shakespeare (2021), and Seeking Faery (2022).

Emily Carding este o actriță versată în piesele lui Shakespeare, cu roluri în peste douăzeci de piese ale bardului, atât pe scenă cât și pe ecran. Deține o licență în Arte Teatrale de la Bretton Hall și un master în Staging Shakespeare de la Universitatea din Exeter. Emily și Brite Theater au creat spectacole inovatoare precum Hamlet (an experience) și Richard III (a one person show), ambele câștigând premii internaționale și recenzii elogioase. Aceste adaptări folosesc publicul ca personaje, creând o experiență imersivă cu minimă recuzită. Emily este, de asemenea, o actriță de film recunoscută, apărând în horror-ul britanic de succes Ghost Stories și în Return to Silent Hill (2024).

În 2018, Muzeul Științei din Londra i-a comisionat lui Emily crearea unei piese solo inspirată de Frankenstein al lui Mary Shelley. Quintessence imaginează un viitor în care umanitatea este recreată de un AI folosindu-l pe Shakespeare ca ghid. Spectacolul a câștigat premiul pentru teatru remarcabil la Brighton Fringe în 2019, iar o nouă versiune este în lucru cu regizoarea Susan Luciani.

Emily este, de asemenea, autoarea unor populare pachete de Tarot, inclusiv The Transparent Tarot și Tarot of the Sidhe, și autoare a unor lucrări ezoterice precum Faery Craft (2012), So Potent Art: The Magic of Shakespeare (2021) și Seeking Faery (2022).

ENGLAND

Emily Carding

Quintessence

Written and performed by Emily Carding

Directed by Dominique Gerrard

SINOPSIS

A combination of cataclysmic events results in the extinction of the human race, leaving behind an AI programmed to recreate humanity when the time is right, with the complete works of Shakespeare as a guide to the human spirit. Humanity must thrive... but at what cost?

This original sci-fi storytelling show, inspired by Mary Shelley's 'Frankenstein', will leave you wondering who the real monster is. Originally created in collaboration with the London Science Museum, written and performed by award-winning actor Emily Carding ('Richard III (a one-person show)'), it is now available in an enhanced version with stunning projection by director Susan Luciani.

'Outstanding Theatre' award-winner, Brighton Fringe 2019

"Jaw-droppingly assured... there's a superb cliff-edge to this outstanding production" —Fringe Review

"Emily Carding is one of the UK's leading Shakespearean actors" —The Stage

O combinație de evenimente cataclismice duce la extincția rasei umane, lăsând în urmă un AI programat să recreeze umanitatea când va fi momentul potrivit, având operele complete ale lui Shakespeare ca ghid pentru spiritul uman. Umanitatea trebuie să prospere... dar cu ce preț?

Acest spectacol original de science-fiction, inspirat de Frankenstein al lui Mary Shelley, te va lăsa să te întrebi cine este adevăratul monstru. Creat inițial în colaborare cu Muzeul Științei din Londra, scris și interpretat de actrița Emily Carding (Richard III (a one-person show)), este acum disponibil într-o versiune îmbunătățită cu proiecții uimitoare regizate de Susan Luciani.

Premiul Outstanding Theatre, Brighton Fringe 2019

"Absolut uluitor... un suspans extraordinar în această remarcabilă producție" —Fringe Review

"Emily Carding este una dintre cele mai importante actrițe shakespeariene din Marea Britanie" —The Stage

BAHRAIN

FUN TALK Art Production

Be a Statue

Author: Taghreed Al Dawood, Kuwaiti writer 

Directed by: Jasim Ahmed Talaq, illustrator 

Actor: Sadeq Abdul Redha 

Musical effects: Hassan Adel Shams 

Scenographer: Hassan Hamad 

Makeup artist: Anwar Madan 

Lights: Ali Abu Dib 

Head of the delegation: Adel Shams, Vicepresident of the Bahrain Theatre Association

SINOPSIS

The stagnation humanity often experiences is mirrored in periods of neglect and frequent bouts of introversion, intertwined with feelings of both greatness and inferiority. This is symbolized by a statue isolated in a museum hall, left forgotten among damaged artifacts in a warehouse. When this lifeless statue comes to life, it transforms its surroundings, shaping a new space from the neglected storehouse. The absurdity faced by the statue reflects the daily contradictions we encounter: the normalization of evil as reality, the obscuring of truth and goodness as outdated, and the eventual rise to protest against these contradictions.

Stagnarea prin care omenirea trece adesea se reflectă în perioade de neglijență și episoade frecvente de introversiune, împletite cu sentimente de măreție, dar și de inferioritate. Acest lucru este simbolizat de o statuie izolată într-o sală de muzeu, uitată printre artefacte deteriorate într-un depozit. Când această statuie inertă prinde viață, își transformă împrejurimile, creând un nou spațiu din magazia neglijată. Absurdul cu care se confruntă statuia reflectă contradicțiile zilnice pe care le întâmpinăm: normalizarea răului ca realitate, ascunderea adevărului și a binelui ca fiind demodate, și, în cele din urmă, protestul împotriva acestor contradicții.

DESCRIERE COMPANIE

Fun Talk Art Production is a newly formed Bahraini theatre company, established independently in May 2019. Their debut performance, titled Be a Statue, was released on January 10, 2024. Comprising six talented artists, the company is deeply invested in theatrical endeavors. Their primary mission is to engage and educate the public, encapsulated in their motto, “Space of Awareness.” The troupe strives to break free from the stifling bureaucracy prevalent in official Bahraini theatrical organizations, providing a nurturing environment for young artists and actors while resisting monopolistic practices. At Fun Talk Art Production, our work is dedicated to the people. We are proudly based in the Kingdom of Bahrain.

Fun Talk Art Production este o companie de teatru din Bahrain recent înființată, în mai 2019. Spectacolul lor de debut, intitulat Be a Statue, a avut premiera pe 10 ianuarie 2024. Compania este formată din șase artiști talentați și este profund implicată în diverse activități teatrale. Misiunea lor principală este să stimuleze și să educe publicul, misiune rezumată în motto-ul lor, „Spații de Conștientizare.” Trupa se străduiește să scape de birocrația sufocantă prevalentă în organizațiile teatrale oficiale din Bahrain, oferind un mediu prielnic pentru tinerii artiști și actori, rezistând în același timp împotriva practicilor monopoliste. La Fun Talk Art Production, munca noastră este dedicată oamenilor. Suntem mândri să lucrăm în Regatul Bahrain.

BULGARIA

 State Drama Theatre "Sava Ognyanov" Ruse

 The Curious Incident of the Dog in the Night-Time

O întâmplare ciudată cu un câine la miezul nopții

Author of the novel: Mark Haddon 

Author of the play adaptation: Simon Stephens 

Directed by: Boyan Ivanov 

Assistant director: Dora Udvareva 

Set and costume design: Vanina Tsandeva 

Choreography: Tatyana Sokolova 

Music: Hristo Namliev 

Video mapping: Todor Todorov, Albena Baeva 

Cast: Kaloyan Zhelev, Stoyan Radev, Kristiana Tsenkova, Yasena Gospodinova, Ivailo Draganov, Kadri Habil, Milen Dimitrov, Vencislav Petkov, Nadia Bancheva 

Administrative director & translator: Anna Nuneva 

Theatre master: Iskren Dobrev 

Coordinator and marketing: Yordan Dimov 

Chief lighting technician: Petar Neikov 

Lighting technicians: Mihail Ivanov, Viktor Kostov 

Sound technicians: Antonia Malcheva, Adelina Kutsinova 

Props: Mariana Stoyanova 

Wardrobe: Ivelina Ivanova, Veska Prosenikova 

Stagehands: Dobromir Genov, Daniel Stanchev, Rosen Romanov, Plamen Dimitrov 

Drivers: Petar Neikov, Rosen Novakov, Severin Simeonov 

Performing language: Bulgarian with English & Romanian surtitles

SINOPSIS

Can a lie be for good? How well do we know the person next to us? And are we ready to accept the other as they are, no matter how different from us? 

The fifteen-year-old Christopher conducts his own investigation. The crime-hewed intrigue spins his relatives and neighborhood acquaintances in a kaleidoscopic adventure. Christopher is to face the biggest test of his life. 

If the cornerstone is a lie, a world built on logic cannot tolerate that. 

The charge of emotions and dynamic action, the opening to the perceptions of the one who is different from us are some of director Boyan Ivanov’s challenges for the spectator.

Poate o minciună să fie spre bine? Cât de bine cunoaștem persoana de lângă noi? Oare suntem gata să-l acceptăm pe celălalt așa cum este el, oricât de diferit ar fi de noi? 

Christopher, în vârstă de cincisprezece ani, duce propria sa anchetă. Intriga creată de nelegiuire îi aruncă rudele și cunoștințele din cartier într-o aventură caleidoscopică. Christopher urmează să se confrunte cu cel mai mare test din viața lui. 

Dacă piatra de temelie este o minciună, o lume construită pe logică nu poate tolera asta. 

Încărcătura de emoții și acțiunea dinamică, deschiderea către percepțiile celui care este diferit de noi sunt câteva dintre provocările pe care regizorul Boyan Ivanov le adresează spectatorului.

DESCRIERE COMPANIE

The State Drama Theatre "Sava Ognyanov" in Ruse has a rich history dating back to its first performance on December 27, 1870. By a decree of Tsar Boris III on April 9, 1942, the theatre was proclaimed a state theatre, and it continues to be financed by the Ministry of Culture. The theatre has produced numerous landmark performances, including a trilogy of plays by Nobel laureate Elias Canetti, born in Ruse in 1905.

Teatrul Dramatic de Stat "Sava Ognyanov" din Ruse are o istorie bogată care datează de la primul spectacol jucat în 27 decembrie 1870. Printr-un decret al Țarului Boris III din 9 aprilie 1942, teatrul a fost proclamat teatru de stat și continuă să fie finanțat de Ministerul Culturii. Teatrul a produs numeroase spectacole de referință, inclusiv o trilogie a laureatului Nobel Elias Canetti, născut în Ruse în 1905.

CZECH REPUBLIC

Andrea Miltnerová, Sofía Mayorga, Jan Komárek

The Power Game

Jocul puterii 

Concept, directed and choreographed by: Andrea Miltnerová 

Created and performed by: Andrea Miltnerová & Sofía Mayorga 

Lighting and sound design: Jan Komárek 

Produced by: AM&C 

Coproduced by: Cultural Centre Mlejn 

Supported by the Czech Ministry of Culture, the State Cultural Fund of the Czech Republic, Hellerau - European Centre for the Arts, Theatre na Cucky, Dance Prague. 

Non-verbal

SINOPSIS

Lighthearted or deadly serious? 

Real or surreal? 

Absurd or rational? 

Two agile old men in suits wrestle in a claustrophobically tight space defined by light. Their precise, stylized movement is both urgent and ridiculous, serious and satirical. Through strange games and associations, attention is drawn to the danger of tacit acceptance of power structures and the consequent loss of control over one's own life.

Ușor sau extrem de serios? 

Real sau suprarealist? 

Absurd sau rațional? 

Doi bătrâni vioi, îmbrăcați la costum, se luptă într-un spațiu îngust și claustrofob, delimitat prin lumină. Mișcările lor precise, stilizate, sunt deopotrivă ridicole și serioase. Prin jocuri și asocieri stranii se atrage atenția asupra pericolului acceptării tacite a puterii și, în consecință, a pierderii controlului asupra propriei vieți.

PREZENTARE ACTORI

Andrea Miltnerová 

British dancer and choreographer of Czech origin based in Prague. Her contemporary dance solos Dance of the Magnetic Ballerina, Fractured, and Tranzmutation have received critical acclaim at festivals and theatres across Europe. Andrea's interest in baroque led to collaborations with early music ensembles like Collegium 1704, Musica Florea, and Aalto Theater. She worked with director David Radok on Handel's Arsilda, Havel's The Beggar's Opera, Strauss' Salome, and Dvořák's Rusalka. As a dancer, she performed with French choreographer Françoise Denieau across Europe, Seoul, London, Moscow, and New York. Andrea also choreographed for Scarlett Johansson in the 2019 film Jojo Rabbit.

Dansatoare și coregrafă britanică de origine cehă, stabilită în Praga. Solourile sale de dans contemporan Dance of the Magnetic Ballerina, Fractured și Tranzmutation au primit aprecieri critice la festivaluri și teatre din întreaga Europă. Interesul Andreei pentru baroc a dus la colaborări cu ansambluri de muzică veche precum Collegium 1704, Musica Florea și Teatrul Aalto. A lucrat cu regizorul David Radok la operele Arsilda de Handel, The Beggar's Opera de Havel, Salome de Strauss și Rusalka de Dvořák. Ca dansatoare, a evoluat alături de coregrafa franceză Françoise Denieau în Europa, Seul, Londra, Moscova și New York. Andrea a fost, de asemenea, coregrafă pentru Scarlett Johansson în filmul din 2019 Jojo Rabbit.

Sofía Mayorga 

Classically trained actress from Mexico. After graduating with honors from the National School of Theater Arts (ENAT), she joined Prague Shakespeare Company and has been performing with them since then. She owes her training in Shakespeare to PSC, the Shakespeare Academy at Stratford, the Creative Europe program of the EU, and RADA. She has performed leading roles in the United States, Ireland, France, Hungary, Denmark, and the Czech Republic. Aside from acting, she has directed, choreographed, and written her own projects. Recently, Sofía was one of the twelve actors selected to be part of the Filmakademie in Ludwigsburg, Germany.

Actriță din Mexic, cu pregătire clasică. După absolvirea, cu foarte bune rezultate, a Școlii Naționale de Artă Teatrală (ENAT), s-a alăturat Companiei Shakespeare din Praga, alături de care joacă și în prezent. Își datorează pregătirea în teatrul shakesperian celor de la PSC, Academiei Shakespeare din Stratford, programului Europa Creativă al UE și RADA. A interpretat roluri principale în Statele Unite, Irlanda, Franța, Ungaria, Danemarca și Republica Cehă. În afară de actorie, a scris, a făcut regia și coregrafia pentru propriile proiecte. Recent, Sofía a fost unul dintre cei doisprezece actori selectați pentru a face parte din Filmakademie din Ludwigsburg, Germania.

Jan Komárek 

Studied painting and graphic design at the School of Applied Arts in Prague. He emigrated to Canada, founded Sound Image Theatre, and won several Dora Mavor Awards for Best Play, Set and Lighting Design, and Music. Now in Prague, he has collaborated with Andrea Miltnerová on The Hiroshima Magician, Fractured, Flashback, Tranzmutation, and Dance of the Magnetic Ballerina. He received the Next Wave Personality of the Year Award and Czech Dance Platform’s Award for Best Lighting Design. His works include Mystery of a Stick, Man in a Spacesuit, and Kabaret Velázquez, which was nominated for a Czech Theatre DNA Award for Outstanding Achievement in the Field of New Theatre. His latest project is Enigmatic Cinema, combining images and live music, featuring Cinéma préparé and Labyrinth of Sound and Image.

A studiat pictura și designul grafic la Școala de Arte Aplicate din Praga. A emigrat în Canada, unde a fondat Sound Image Theatre și a câștigat mai multe premii Dora Mavor pentru cea mai bună piesă, design de decor și iluminat, și muzică. Acum în Praga, a colaborat cu Andrea Miltnerová la The Hiroshima Magician, Fractured, Flashback, Tranzmutation și Dance of the Magnetic Ballerina. A primit premiul Next Wave Personality of the Year și premiul Czech Dance Platform pentru cel mai bun design de lumini. Lucrările sale includ Mystery of a Stick, Man in a Spacesuit și Kabaret Velázquez, care a fost nominalizat pentru un premiu Czech Theatre DNA pentru realizări deosebite în domeniul teatrului nou. Cel mai recent proiect al său este Enigmatic Cinema, care combină imagini și muzică live, prezentând Cinéma préparé și Labyrinth of Sound and Image.

CHINA

Shanghai Artist Collective

Chinese Traditional Opera Recital

Recital de Teatru tradițional chinez

Artist collective: Gu Ke, Han Tian, Hua Jian, Li Ming, Zhou Manjun, Zhao Zhijiang, Wang Guoquan, Nie Wenqing, Jiang Yanping, Xu Hongwu, Zhang Jinxian, Yan Dongxue, Hua Bingqing, Lin Qinghua, Zhang Qinghu, Sun Bin, Li Bingshu, Yi Hongyan, Fan Qing, Han Yanli

Institutions:

Shanghai Huiguan Culture Media Co. Ltd.

Linfen Culture Art School

Shanghai Yayun Cultural and Artistic Heritage Center

Repertory:

Tomorrow Will be Better (chorus)

Yue Opera Butterfly Lovers - The Eighteen Farewells

Directed by: Song Huiling and Zhu Min

Cast: Xu Hongwu plays Liang Shanbo. Jiang Yanping plays Zhu Yingtai.

Banhu Solo Celebration

Artist: Fan Qing

Classic Pu Opera Xu Ce Running to the City

Directed by: Guo Zemin

Artist: Li Bingshu

Water Sleeves

Artist: Han Yanli

Pu Opera The Small Banquet

Directed by:Qi linsheng

Artist: Sun Bin

SINOPSIS

The Shanghai Artist Collective presents a captivating Chinese Traditional Opera Recital, featuring a diverse array of performances that showcase the rich cultural heritage and artistic prowess of Chinese opera. The recital includes the chorus piece Tomorrow Will be Better, followed by the poignant Yue Opera, Butterfly Lovers - The Eighteen Farewells. This classic tale of love and tragedy is beautifully rendered through the expressive art of Yue Opera. The performance continues with the Banhu Solo Celebration, where artist Fan Qing brings to life the vibrant and resonant sounds of the Banhu, a distinctive bowed string instrument celebrated for its unique tonal qualities and strong regional flavor. The recital also features the Classic Pu Opera Xu Ce Running to the City. This dynamic piece tells the story of loyalty and revenge during the Tang Dynasty, utilizing intricate Peking opera techniques to portray the deep emotions and complex characters. In addition, Han Yanli showcases the art of Water Sleeves, using the flowing movements of extended silk sleeves to convey subtle emotions and enhance the storytelling. The program concludes with Pu Opera The Small Banquet, depicting Lü Bu's passionate admiration for Diao Chan through the challenging and visually stunning techniques of Lingzi Gong. This recital promises to be a mesmerizing journey through the elegance and power of Chinese traditional opera.

Artiștii din Shanghai prezintă un captivant Recital de Operă Tradițională Chineză, cu o gamă diversă de piese care evidențiază bogata moștenire culturală și măiestria artistică a operei chineze. Recitalul include piesa de cor Mâine va fi mai bine, urmată de emoționanta Operă Yue, Iubitorii de fluturi - Cele optsprezece despărțiri. Această poveste clasică de dragoste și tragedie este frumos redată prin arta expresivă a Operei Yue. Spectacolul continuă cu Solo Banhu Sărbătoare, unde artistul Fan Qing aduce la viață sunetele vibrante și rezonante ale Banhu-ului, un instrument cu coarde tradițional, renumit pentru calitățile sale tonale unice și rezonanța sa locală. Recitalul mai include și Opera Pu Clasică Xu Ce fugind spre oraș. Această piesă dinamică despre loialitate și răzbunare în timpul dinastiei Tang, prezintă tehnici elaborate de operă Peking pentru a reda emoții profunde și personaje complexe. În plus, Han Yanli prezintă arta Mânecilor de Apă, folosind mișcările fluide ale mânecilor de mătase prelungite pentru a transmite emoții subtile și a îmbunătăți povestirea. Programul se încheie cu Opera Pu Micul Banchet, care descrie admirația pasională a lui Lü Bu pentru Diao Chan cu o serie de tehnicile provocatoare și uimitoare vizual ale lui Lingzi Gong. Acest recital promite să fie o călătorie fascinantă prin eleganța și puterea operei tradiționale chineze.

PREZENTARE ARTISTI

The Shanghai Yayun Cultural and Art Heritage Center is a member of the Performance Association and the Shanghai International Exchange Promotion Association for Social Organizations. It is a public welfare base in Shanghai and a member of the Shanghai Arts and Crafts Association. The center co-organizes cultural exchange activities, including China-Japan cultural exchanges, cross-strait youth cultural exchanges between mainland China and Taiwan, and cultural exchanges with Serbia. It is also a long-term partner of events such as the Shanghai Jiukeshu Art Festival, the Shanghai International Flower Show, and the Shanghai Plum Blossom Festival.

The Linfen Culture and Art School, established in 1956, is one of the earliest art schools in Shanxi Province and a key national and provincial institution recognized by the Ministry of Education and the provincial government. Opera has been the school's flagship program for many years, with generations of dedicated teachers and students working diligently to achieve excellence. The school has successfully nurtured 60 students who have gone on to win the Chinese Children's Opera Little Plum Blossom Award.

Shanghai Yayun Cultural and Art Heritage Center este membru al Asociației de Spectacole din China și al Asociației pentru Promovarea Schimburilor Internaționale pentru Organizații Sociale din Shanghai. Este deopotrivă membru al Asociației de Arte și Meșteșuguri din Shanghai. Centrul co-organizează activități de schimburi culturale, inclusiv China-Japonia, acțiuni pentru tineret între China continentală și Taiwan, și schimburi culturale cu Serbia. Este, de asemenea, partener pe termen lung al unor evenimente precum Festivalul de Artă Jiukeshu din Shanghai, Expoziția Internațională de Flori din Shanghai și Festivalul Florii de Prun din Shanghai.

Școala de Cultură și Artă din Linfen, înființată în 1956, este una dintre cele mai vechi școli de artă din provincia Shanxi și o instituție națională și provincială cheie recunoscută de Ministerul Educației și de guvernul local. Opera a fost programul de vârf al școlii de mulți ani, cu generații de profesori și studenți dedicați care au muncit din greu pentru a atinge excelența. Școala a pregătit cu succes 60 de studenți care au câștigat Premiul Micii Flori de Prun al Operei pentru Copii din China.

SOUTH KOREA

Production IDA

Baesogoji, a pond in the memory

Author: Ju Jin

Directed by:  Hee Young Kim

Producer: Eun Jung Hong

Set Design: Sang Bong Park 

Light Design: Sung Gu Kim 

Light-design assistant: So Jeon Ji

Costume: Hyun Jung Jo

Make-up: Kyung Suk Jang

Choreography: So Jin Park

Music: Bohyung Chung 

Sound: Je Huoung Lee

Cast:  Se Won Hwang,  Jungeun Im, Miyoung Seo, Da Eun Im, Seung Hwan Kim, Jungsik Suh, Solbin Kim, Dongha Kim, Jun Serk Oh, Yoonseo Kim, Hee Yun Cho, Sunha An, Jisoo Park

SINOPSIS

On a fall night in 2016, a young girl appears in front of Sunhee and Yipbun, her young companion, in the courtyard of a spicy fish stew restaurant near Okjeongho Lake, Imsil. This happens a day before Yipbun's Diamond Wedding. Sunhee, Yipbun, Sonyeo, and Makdong, who spent their childhood together, build their friendship through innocent interactions. Eventually, Sunhee and Makdong get married, becoming sisters-in-law. Sunhee is forced to join a reactionary group with Makdong and is taken to Baesogoji. Later, Sunhee's husband arrives but takes only his younger brother, Makdong, home, leaving Sunhee abandoned. Meanwhile, Yipbun marries a one-armed partisan general to save her lover, Myeon Seogi, but all the partisan troops are defeated. Yipbun eventually remarries the commander of the Korean subjugation team who had saved her. After being robbed by the commander of the Partisan Security Command, Yipbun loses her sanity and is shunned by the people in her neighborhood, ultimately being shot dead. In the end, they seek each other's forgiveness, hold each other close, and sing the songs they shared during their childhood.

Într-o noapte de toamnă din 2016, o tânără apare în fața lui Sunhee și a companioanei sale tinere, Yipbun, în curtea unui restaurant specializat în tocăniță de pește picant, lângă lacul Okjeongho, Imsil. Acest lucru se întâmplă cu o zi înainte de Nunta de Diamant a lui Yipbun. Sunhee, Yipbun, Sonyeo și Makdong, care și-au petrecut copilăria împreună, au o prietenie inocentă. În cele din urmă, Sunhee și Makdong se căsătoresc, devenind cumnate. Sunhee este forțată să se alăture unui grup reacționar împreună cu Makdong și este dusă la Baesogoji. Mai târziu, soțul lui Sunhee apare, dar îl ia acasă doar pe fratele său mai mic, Makdong, lăsând-o pe Sunhee abandonată. Între timp, Yipbun se căsătorește cu un general partizan cu un singur braț pentru a-și salva iubitul, Myeon Seogi, dar toate trupele partizane sunt înfrânte. Yipbun se recăsătorește în cele din urmă cu comandantul echipei de subjugare coreeană care a salvat-o. După ce este jefuită de comandantul Comandamentului de Securitate al Partizanilor, Yipbun își pierde mințile și este ostracizată de oamenii din cartierul ei, fiind în cele din urmă împușcată. În cele din urmă, ei își cer iertare unii altora, se îmbrățișează și cântă cântecele lor din copilărie.

DESPRE TEATRU

Production IDA is an organization started by artists from various genres. As it is an organization created by people from diverse fields, it is a performing arts creation organization that engages with the audience through a unique sense of convergence art. This art form includes various visual elements and messages, allowing the stories we want to tell to become stories the audience wants to see. These new attempts are not bound by traditional forms and genres.

Production IDA este o organizație fondată de artiști care abordează diverse genuri de arte performative. Fiind o organizație creată de persoane din domenii variate, Production IDA este o companie de creație în artele spectacolului care interacționează cu publicul printr-o formă unică de artă de convergentă. Această formă de artă include diverse mesaje și elemente vizuale, permițând ca poveștile pe care dorim să le spunem să devină poveștile pe care publicul dorește să le vadă. Aceste noi încercări nu sunt neapărat legate de forme sau genuri tradiționale.

SOUTH KOREA

Kyonggi University Seoul

Korean Theatre Happening

President of KTA: Jeungwoo Son

Artist Collective: Yuna Hong, Minji Kim, Wonjeong Jang, Minseo Kwon, Seunga Kwon, Taelin Lee, Sujin Kim, Hyunjoo Lee, Huynjin Jo, Siheon Han, Jonghyup Lee, Euikyum Kim, Chanhui Song, Taewon Lim

SINOPSIS

Chunhyangjeon is one of the most famous and beloved pieces of classical Korean literature, about the love between a man and a woman. Despite language barriers, they share the same feelings through facial expressions and gestures, showcasing Korea's unique colors and styles. We also hope that students can feel their freedom and passion together through the movements of K-pop and musical dance!

Chunhyangjeon este una dintre cele mai faimoase și iubite opere din literatura clasică coreeană, despre dragostea dintre un bărbat și o femeie. În ciuda barierelor lingvistice, ei împărtășesc aceleași sentimente prin expresii faciale și gesturi, evidențiind culorile și stilurile estetice unice ale Coreei. De asemenea, sperăm ca studenții să simtă libertatea și pasiunea împreună prin mișcările de dans K-pop și musical!

DESPRE UNIVERSITATE

Kyonggi University (KGU) is a private university located in Suwon, Gyeonggi-do, established in 1947. KGU boasts a vibrant academic community with over 17,000 undergraduate and postgraduate students across its two campuses. KGU offers a diverse range of academic programs with 11 colleges that include 63 programs of study and 12 graduate schools. The university is renowned for its education and research in fields such as Tourism, Hospitality, Arts and Design, Business, International Studies, Environmental Engineering, and Architectural Engineering. Kyonggi University has established partnerships with 152 universities in 31 countries, fostering a rich international academic exchange. The university also features a comprehensive Korean language program and hosts over 650 international students, making it a truly global institution.

Kyonggi University (KGU) este o universitate privată situată în Suwon, Gyeonggi-do, înființată în 1947. KGU se mândrește cu o comunitate academică vibrantă, având peste 17.000 de studenți la programe de licență și master, în cele două campusuri ale sale. KGU oferă o gamă diversificată de programe academice, având 11 facultăți care oferă 63 de programe de studii și 12 școli postuniversitare. Universitatea este renumită pentru educația și cercetarea în domenii precum Turism, Ospitalitate, Arte și Design, Afaceri, Studii Internaționale, Inginerie de Mediu și Inginerie Arhitecturală. Universitatea Kyonggi a stabilit parteneriate cu 152 de universități din 31 de țări, promovând un bogat schimb academic internațional. Universitatea dispune, de asemenea, de un program cuprinzător de limbă coreeană și găzduiește peste 650 de studenți internaționali, lucru care o definește ca instituție cu adevărat globală.

South Korea

Saebyuk Theater Company

Manleehyang

Author: Kim Won 

Director: Han Seondeok 

Tour Leader & Lighting: Jinyoung Youn 

Director: Seondeok Han 

Actor: Eunsook Jang, Yoon Ju Na, Seungwan Choi, Shunhee Shin, Sasa Jeong, Hayoung Yang 

Musician: Meaghan Choi, Leehyoung Jung

Subtitles: Heasun Kwak 

Sound: Dabin Kim 

Photographer: Iksang Moon 

SINOPSIS

This play is a mix of Korean and Western costumes, music (played live on stage), main characters, and ensemble. It tells the tale of the dead and the living working together to incarnate a new form of human for the future. We are certain that it will showcase a new form of Korean theater. We witness the conflict and love between families. The theme of family is one of the most important ones in theater, in both the East and the West, because we, as humans, share many of the same emotions. The story takes place in a Chinese restaurant and shows the end of conflict and the harmony of the family.

Această piesă este un amestec de costume coreene și occidentale, muzică (interpretată live pe scenă), personaje principale și ansamblu. Povestește despre morți și vii lucrând împreună pentru a întrupa o nouă formă de om pentru viitor. Suntem siguri că va prezenta o nouă formă de teatru coreean. Asistăm la conflictul și iubirea dintre familii. Tema familiei este una dintre cele mai importante în teatru, atât în Est cât și în Vest, deoarece noi, ca oameni, împărtășim multe dintre aceleași emoții. Povestea are loc într-un restaurant chinezesc și arată sfârșitul conflictului și recâștigarea armoniei în familie.

PREZENTARE COMPANIE

The Saebyuk Theater Company was established in 1990 and it presented more than 150 shows.

It was awarded the following prizes: 

- Best Production in 2017, Korea Drama Association: Man Lee Hyang 

- Grand Prize in the 36th Korea Drama Festival, 2018: A Child without Father 

- Best Production in 2021, Korea Drama Association: San Chak 

In 2023, the show San Chak participated in the Korea National Theater Festival.

Saebyuk Theater Company a fost înființată în 1990 și a produs peste 150 de spectacole.

A câștigat următoarele premii: 

- Cea mai bună producție în 2017, premiu acordat de Korea Drama Association pentru spectacolul Man Lee Hyang 

- Marele Premiu la cea de-a 36-a ediție a Korea Drama Festival, 2018: Un copil fără tată 

- Cea mai bună producție, premiu acordat în 2021 de Korea Drama Association pentru spectacolul San Chak 

În 2023, spectacolul San Chak a participat la Festivalul Național de Teatru din Coreea.

SOUTH KOREA

Daejeon Theatres Association, coproduction Tony Bulandra Theatre

The Little Prince

Micul prinț

After Antoine de Saint-Exupéry

Tour Leader: Jinyoung Youn

Assistant Director: Moungseob Shim (Marie Shim)

Cast: Meaghan Choi, Jay Yu

Musician: Hye Lin Lee

Drawings by: Codrin Cheloiu 

Video creation: Cătălin Cărămidă 

SINOPSIS

“All grown-ups were once children, but only a few of them remember it.”

This poignant reflection, found in Antoine de Saint-Exupéry's "The Little Prince," encapsulates the essence of a book often perceived as a children's tale but rich with allegorical content and deep philosophical insights.

"The Little Prince" stage adaptation is part of a unique mirror-coproduction, featuring one performance at the Tony Bulandra Theatre with a boy and an adult actor, and another at the Daejeon Theatres Association in Korea, with a girl and an adult actress. In the Korean rendition, the Little Prince is reimagined as the Little Princess, highlighting the universal appeal and timeless relevance of Saint-Exupéry's narrative. This adaptation underscores the story's themes of innocence, curiosity, and the quest for understanding, which resonate with audiences across different cultures and generations.

This production, through its innovative interpretation and cross-cultural collaboration, aims to reignite that sense of wonder and encourage audiences to reconnect with the essential truths that "The Little Prince" so beautifully conveys – love, loss, and the rediscovery of childhood wonder, reminding us that while all adults were once children, few retain the ability to see the world with the same clarity and openness.

„Toți adulții au fost cândva copii, doar că puțini dintre ei își amintesc.”

Această reflecție emoționantă, găsită în „Micul Prinț” de Antoine de Saint-Exupéry, surprinde esența unei cărți adesea percepută ca fiind pentru copii, dar bogată în conținut alegoric și profunde perspective filosofice.

Adaptarea scenică a „Micului Prinț” face parte dintr-o coproducție unică în oglindă, prezentând un spectacol la Teatrul Tony Bulandra cu un băiat și un actor adult, și altul la Asociația Teatrelor Daejeon din Coreea, cu o fată și o actriță adultă. În versiunea coreeană, Micul Prinț este reimaginat ca Mica Prințesă, subliniind atracția universală și relevanța atemporală a narațiunii lui Saint-Exupéry. Această adaptare subliniază temele poveștii despre inocență, curiozitate și căutarea înțelegerii, care rezonează cu publicul din diverse culturi și generații.

Această producție, prin interpretarea sa inovatoare și colaborarea interculturală, își propune să reaprindă acel sentiment de uimire și să încurajeze publicul să se reconecteze la adevărurile esențiale pe care „Micul Prinț” le transmite atât de frumos – dragostea, pierderea și redescoperirea miracolului copilăriei, amintindu-ne că, deși toți adulții au fost cândva copii, puțini păstrează capacitatea de a vedea lumea cu aceeași claritate și deschidere.

DESPRE TEATRU

Founded in 1967, the Daejeon Theatre Association comprises of nearly 200 members - actors, artists, and technicians. It organizes annually the Daejeon Theatre Festival, the Daejeon Youth Theatre Festival, the Daejeon International Studio Theatre Festival, the Daejeon Theatre Script Competition, and the Daejeon Theatre Reading Festival. So far, the Daejeon International Studio Theatre Festival has hosted 38 productions from 16 countries, 77 productions from 21 companies in Daejeon, and 55 productions from companies in other cities in Korea. In 2023, the festival reached its 14th edition. Every year, the winner of the Daejeon Theatre Festival participates in the National Theatre Festival of Korea, and the Daejeon artists' team has won the Grand Prize 5 times since 2004 and has also received multiple awards.

Theatre companies from Daejeon have participated in several international theatre festivals, including the BABEL International Festival of Performing Arts in Târgoviște (Romania). The association has also been invited to festivals in the United States of America, Japan, Russia, Mongolia, Kazakhstan, China etc.

Înființată în 1967, Asociația Teatrelor din Daejeon cuprinde aproape 200 de membri - actori, artiști și tehnicieni. Organizează anual Festivalul de Teatru din Daejeon, Festivalul de Teatru pentru Tineret din Daejeon, Festivalul Internațional de Teatru de Studio din Daejeon, Concursul de Scenarii de Teatru din Daejeon și Festivalul de Teatru Lectură din Daejeon. La Festivalul Internațional de Teatru de Studio din Daejeon au participat până acum 38 de producții din 16 țări, 77 de producții de la 21 de companii din Daejeon și 55 de producții de la companii din alte orașe din Coreea. În 2023, festivalul a ajuns la cea de-a XIV-a ediție. În fiecare an, câștigătorul Festivalului de Teatru din Daejeon participă la Festivalul Național de Teatru din Coreea, iar echipa de artiști din Daejeon a câștigat Marele Premiu de 5 ori, încă din 2004, și a obținut deopotrivă mai multe premii.

Companiile de teatru din Daejeon au participat la mai multe festivaluri internaționale de teatru, inclusiv la Festivalul Internațional al Artelor Spectacolului BABEL, la Târgoviște (România). Asociația a fost invitată deopotrivă la festivaluri din Statele Unite ale Americii, Japonia, Rusia, Mongolia, Kazahstan, China etc.

DENMARK

Odin Teatret, Holstebro

The Deaf Man’s House. A capriccio on Goya

Casa surdului. Un capriciu despre Goya

Text: Else Marie Laukvik, Eugenio Barba 

Director: Eugenio Barba

Actors: Else Marie Laukvik, Rina Skeel, Ulrik Skeel 

Stage design: Else Marie Laukvik, Rina Skeel 

Stage design adviser: Jan de Neergaard 

Assistant director: Rina Skeel

A 2019 production by Masakini Theatre (Kuala Lumpur, Malaysia), Nordisk Teaterlaboratorium / Odin Teatret (Holstebro, Denmark)

SINOPSIS

We are in Bordeaux, in the house of a deaf man, Francisco Goya. It is the last night of his life. His lover for more than thirty years, the lively Leocadia Zorilla, unleashes her imagination and her memories. Francisco Goya (1746-1828) is considered the most important Spanish painter and engraver of the end of the 18th and beginning of the 19th century. During his long career, he was a committed commentator and chronicler of his era. He died in exile in Bordeaux, France. 

“The Deaf Man’s House is a theatre capriccio on Goya. Themes from his biography and paintings are transformed by the art of the actor into a flow of physical decadence and creative vitality, greed for prestige, squandering of wealth, selfishness, inventiveness, passion, and frivolity. It is Goya’s young lover who describes her life with the great artist. Her images, memories, and comments conjure up the mystery of Art whose cruel truth walks mockingly over the dead.” (Eugenio Barba)

Ne aflăm în Bordeaux, în casa unui surd, Francisco Goya. Este ultima noapte din viața lui. Iubita sa, care i-a fost alături mai bine de treizeci de ani, energica Leocadia Zorilla, dă frâu liber imaginației și amintirilor. Francisco Goya (1746-1828) este considerat cel mai important pictor și gravor spaniol de la sfârșitul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea. De-a lungul prolificei sale cariere, a fost un comentator și cronicar dedicat al epocii sale. A murit în exil, la Bordeaux, în Franța. 

„Casa surdului este un capriciu teatral despre Goya. Temele din biografia și picturile sale sunt transformate de arta actorului într-un flux al decadenței fizice și vitalității creatoare, al lăcomiei pentru prestigiu, al risipirii averii, egoismului, inventivității, pasiunii și frivolității. Tânăra iubită a lui Goya este cea care își descrie viața alături de marele artist. Imaginile, amintirile și comentariile ei evocă misterul Artei, al cărei crud adevăr pășește batjocoritor peste moarte.” (Eugenio Barba)

PREZENTARE TEATRU

Odin Teatret was created in Oslo, Norway, in 1964, and moved to Holstebro (Denmark) in 1966, changing its name to Nordisk Teaterlaboratorium/Odin Teatret. In December 2022, Odin Teatret left Nordisk Teaterlaboratorium to continue autonomously its performances and cultural activities in Holstebro and abroad. Today, Odin Teatret’s activities include: Odin’s own productions presented on site and on tour in Denmark and abroad, cultural initiatives, encounters for theatre groups, didactic courses of various types in Denmark and abroad, publication of magazines and books, production of didactic films and videos, research into Theatre Anthropology through the sessions of the International School of Theatre Anthropology (ISTA), productions with the multicultural Theatrum Mundi Ensemble, the TRANSIT Festival for women in theatre, and the project Living Archive Floating Islands in Lecce, Italy, in collaboration with Fondazione Barba Varley. Odin Teatret’s 60 years as a laboratory have resulted in the growth of a professional and scholarly milieu characterized by cross-disciplinary projects and international collaboration. One field of research is the International School of Theatre Anthropology (ISTA), where actors and dancers meet with scholars to compare and scrutinize the technical foundations of scenic presence. Another field of action is the Theatrum Mundi Ensemble which, since the early 1980s, presents performances with a permanent core of artists from several traditions. Odin Teatret has so far created 81 performances directed by Eugenio Barba, performed in 65 countries and different social contexts. In the course of these experiences, a specific Odin culture has grown, founded on cultural diversity and the practice of “barter”: Odin actors present themselves through their work to a particular milieu which, in return, replies with songs, music, and dances from its own local tradition. The barter is an exchange of cultural manifestations and offers not only an insight into other forms of expression but is equally a social interaction that defies prejudices, linguistic difficulties, and differences in thinking, judging, and behaving.

Odin Teatret a fost înființat în Oslo, Norvegia, în 1964, și s-a mutat în Holstebro, Danemarca, în 1966, schimbându-și numele în Nordisk Teaterlaboratorium/Odin Teatret. În decembrie 2022, Odin Teatret a părăsit Nordisk Teaterlaboratorium pentru a-și continua în mod autonom spectacolele și activitățile culturale în Holstebro și în străinătate. Astăzi, activitățile Odin Teatret includ: producții proprii, prezentate la sediu și în turneu în Danemarca și în străinătate, inițiative culturale, întâlniri pentru grupuri de teatru, cursuri didactice de diferite tipuri în Danemarca și în străinătate, publicarea de reviste și cărți, producția de filme și videoclipuri didactice, cercetare în Antropologia Teatrală prin sesiunile Școlii Internaționale de Antropologie Teatrală (ISTA), producții cu Ansamblul multicultural Theatrum Mundi, Festivalul TRANSIT pentru femei în teatru și proiectul Living Archive Floating Islands (Arhivă vie, insule plutitoare) din Lecce, Italia, în colaborare cu Fondazione Barba Varley. Cei 60 de ani ai Odin Teatret ca laborator de creație au dus la creșterea unui mediu profesional și academic caracterizat prin proiecte interdisciplinare și colaborări internaționale. Un domeniu de cercetare îl reprezintă Școala Internațională de Antropologie Teatrală (ISTA), unde actorii și dansatorii se întâlnesc cu oamenii de știință pentru a compara și a analiza bazele tehnice ale prezenței scenice. Un alt domeniu de acțiune este Ansamblul Theatrum Mundi care, de la începutul anilor 1980, prezintă spectacole cu un nucleu permanent de artiști aparținând mai multor tradiții. Odin Teatret a creat până acum 81 de spectacole în regia lui Eugenio Barba, jucate în 65 de țări și contexte sociale diferite. Însumând toate aceste experiențe, s-a dezvoltat o cultură specifică a Odin Teatret, bazată pe diversitatea culturală și pe practicarea „barterului”: actorii Odin își prezintă munca într-un anumit context care, în schimb, răspunde cu cântece, muzică și dansuri din tradiția locală. Barterul propus de Odin Teatret este un schimb de manifestări culturale și oferă nu numai o perspectivă asupra altor forme de exprimare, ci este în egală măsură o interacțiune socială care sfidează prejudecățile, dificultățile lingvistice și diferențele de gândire, judecată și comportament.

FINLAND

Kate & Pasi Company

RAFLA

Show created by: Katerina Repponen & Pasi Nousiainen

Non-verbal, acrobatics

SINOPSIS

RAFLA is a story about a small traveling restaurant. The customers have left, but the owners prefer to spend their time doing everything except cooking. These two heartwarming characters prepare pizzas in their own unique way, surprising you with amazing acrobatics and juggling. You will laugh watching their act, and you might get hungry!

RAFLA este povestea unui mic restaurant ambulant. Clienții au plecat, dar proprietarii preferă să-și petreacă timpul făcând orice altceva în afară de gătit. Aceste două personaje fermecătoare pregătesc pizza în felul lor unic, surprinzându-te cu acrobații și jonglerii uimitoare. Veți râde urmărindu-le spectacolul și s-ar putea chiar să vi se facă foame!

PREZENTARE COMPANIE

Kate & Pasi are an acrobatic duo from Finland. They perform acrobatic shows for outdoor, indoor, and contemporary circus audiences, variety shows, traditional circus, and dinner shows. Katerina Repponen and Pasi Nousiainen have performed in over 25 countries and at more than 100 festivals together since 2010. They have worked in numerous traditional and contemporary circuses, variety shows, street festivals, and theatre productions, collaborating with companies such as Cirque Eloize in Canada, Krystallpalast Variete in Germany, Sirkus Finlandia in Finland, Daidogei World Cup in Japan, and many more. Their performances have been recognized and awarded at international festivals.

Kate & Pasi sunt un duo acrobatic din Finlanda. Ei susțin spectacole acrobatice în aer liber, cât și în interior, spectacole de varieteu, circ tradițional și spectacole de teatru de pub. Katerina Repponen și Pasi Nousiainen au jucat împreună în peste 25 de țări și la peste 100 de festivaluri, încă din 2010. Au lucrat în numeroase circuri tradiționale și contemporane, colaborând cu companii precum Cirque Eloize din Canada, Krystallpalast Variete din Germania, Sirkus Finlandia, Cupa Mondială Daidogei din Japonia și multe altele. Spectacolele lor au fost recunoscute și premiate la festivaluri internaționale.

FINLAND

Kate & Pasi Company

SUHDE 

Show created by: Katerina Repponen & Pasi Nousiainen

Non-verbal, acrobatics

SINOPSIS

Interpersonal relationships are the subject of KATE & PASI’s hand-to-hand acrobatic show. How can a 50 kg woman win against a 100 kg man? And what kind of relationship can there be between such an unlikely duo when the two encounter each other? Who is leading and who is following? Will your character be formed through relationships? The DUO KATE & PASI literally juggles with elements of a love relationship, and they answer the couple development questions with heart-stopping acrobatics, sensitivity, and lots of self-irony.

Relațiile interpersonale fac obiectul acestui spectacol acrobatic. Cum poate o femeie de 50 de kg să câștige lupta cu un bărbat de 100 de kg? Și ce fel de relație poate avea un duo atât de improbabil? Cine conduce și cine urmează? Va fi caracterul tău modelat de relațiile din jurul tău? DUO KATE & PASI jonglează literalmente cu elementele unei relații de dragoste și răspund la întrebările legate de evoluția unui cuplu, prin acrobații ce îți vor opri respirația, cu sensibilitate și multă autoironie.

IRAQ

Babylon Iraqi Artists Syndicate

Rainy Night

Noapte proioasă

Playwright: Mithal Ghazi 

Director: Mohamed Zaki Abed Alfatle 

Actors: Asseel Naser Hussein Hussein, Yousif Abdulhussein Shaheed Shaheed, Hussein Mohsin Dwaich Alsaheo

Technical staff: Ali Adil Abdulmunem Shaabeth, Ali Zuhair Ismael Al-Muttairi 

Supervisor: Amer Sabah Noori Sabaghalmtiah

Language: Arabic with English surtitles

SINOPSIS

The director aimed to unify perspectives and ideas among the members of one nation, clearly indicated through the family living under one roof. The necessity of cohesion among its elements, represented by the characters (father, mother, daughter, and son), was emphasized. He also pointed to the main problem, which, in itself, is not considered a trivial issue regardless of its complexity. In cases where family members come together and agree to find radical solutions, moving away from superficial solutions or trying to avoid the problem, lies the preservation of the family. Therefore, the presentation's fundamental idea esentially speaks about the foundation of building any cohesive, civilized, and advanced society. It starts from the basic unit of the family, portraying it as the smallest cell and the starting point for the race against time in overcoming challenges and progressing towards a future enriched with noble values.

Regizorul și-a propus să unifice perspective și idei între membrii unei singure națiuni, mai precis a familiei care trăiește sub același acoperiș. S-a subliniat necesitatea coeziunii între elementele sale, reprezentate de personaje – tată, mamă, fiică și fiu. Acesta a subliniat, de asemenea, problema principală, care, în sine, nu este considerată o problemă banală, indiferent de complexitatea ei. Se descriu situații în care membrii familiei se reunesc și convin să găsească soluții radicale. În schimbul găsirii unor soluții superficiale și evitarea problemelor, aceștia aleg să mențină familia unită. Prin urmare, spectacolul vorbește despre fundamentul construirii unei societăți unite, civilizate și avansate. Pornește de la unitatea de bază a familiei, înfățișând-o drept cea mai mică celulă și punctul de plecare al cursei contra cronometru în depășirea provocărilor și progresul către un viitor îmbunătățit prin valori nobile.

PREZENTARE COMPANIE

The Iraqi Artists Syndicate is a professional, non-profit, non-governmental, cultural union concerned with the affairs of artists in Iraq. It was established in 1969 with its headquarters located in Baghdad. It has four specialized divisions: theatre and radio, film and television arts, musical arts and fine arts.

Sindicatul Artiștilor din Irak este o uniune profesională, non-profit, non-guvernamentală și culturală, preocupată de afacerile artiștilor din Irak. A fost înființată în 1969, cu sediul în Bagdad. Are patru divizii specializate: teatru și radio, artă cinematografică și de televiziune, arte muzicale și arte plastice.

ISRAEL

DAVAI Clown Theater

Kakamaika

Directed by: Davai Theater / Maria Nemirovsky 

Set and costume design: Varvara Gvozdik 

Choreography: Anastasia Borisova 

Music: Sergey Burkov 

Cast: Vitaly Azarin, Losha Gavrielov, Fyodor Makarov, Kasyan Ryvkin 

Age limit: 4+

SINOPSIS

Kakamaika is a sportive family show. Higher, faster, stronger! Three ragged tramps wander to a stage where they have shone decades ago. A great surprise awaits them: their fourth missing colleague! It’s time to dust off the costumes and rock the audience! Please welcome the Clown Olympic Team: Vadim The Steel Palm, Omar The Bizarre Sniper, Kasyan The High Jumper, Zach The Iron Man. A hilarious, colorful, and dynamic show, a theatrical feast for the entire family.

Kakamaika este un spectacol non-verbal, sportiv, pentru copiii peste 4 ani și pentru întreaga familie. Mai sus, mai repede, mai puternic!... este deviza a trei vagabonzi zdrențuiți, care se îndreaptă spre o scenă în care au strălucit cu zeci de ani în urmă. Acolo îi așteaptă o mare surpriză: al patrulea coleg dispărut! Este timpul să ne curățăm costumele și să luăm cu asalt publicul! Un spectacol hilar, colorat și dinamic, o sărbătoare teatrală pentru întreaga familie.

PREZENTARE COMPANIE

DAVAI is a theater group based in Tel Aviv, founded by three independent artists: Fyodor Makarov, Losha Gavrielov, and Vitaly Azarin. They believe in visual theater that is simple enough to reach vast audiences and sophisticated enough to touch experts. In their shows, they use clowning, music, and circus arts to tell stories and bring the joy of theater to the public.

DAVAI este o companie de teatru cu sediul în Tel Aviv, fondată de trei artiști independenți: Fyodor Makarov, Losha Gavrielov și Vitaly Azarin. Ei cred în teatrul vizual ca fiind suficient de simplu pentru a ajunge la un public vast și suficient de sofisticat pentru a impresiona experții. În spectacolele lor, folosesc clovnerie, muzică și artele circului pentru a spune povești și pentru a aduce publicului bucuria teatrului.

ISRAEL

DAVAI Clown Theater

That Round Thing

Acel lucru rotund

Artists: Fyodor Makarov, Losha Gavrielov

Age limit: 3+ 

Non-verbal

SINOPSIS

That Round Thing is a funny and touching story about two clowns who have dropped the Sun into the Sea. At the end of a long quest, two friends from the freezing north finally make it to a sunny beach. Happy and cheerful, they rejoice and play until by mistake they knock down the sun into the sea. To save the world from eternal darkness, the two clumsy chaps embark on a rescue mission and sail a boat across the sea. They seek the lost sun above and under the water, lose direction, quarrel, get shipwrecked, lose each other, and nearly perish in a storm! Luckily, there is a quick way to empty the sea, and our friends finally find each other safe and sound! But what about the sun?

The show was created in 2015 with the support of the Israeli Culture Ministry and it has been performed over 100 times in Israel, Germany, UK, Russia, Ukraine, Turkey & Azerbaijan.

Acel lucru rotund, spectacol non-verbal destinat copiilor cu vârste între 3 și 10 ani, precum și părinților acestora, este o poveste amuzantă și emoționantă despre doi clovni-marinari care au scăpat soarele în mare. La sfârșitul unei lungi căutări, doi prieteni din nordul înghețat ajung în sfârșit pe o plajă însorită. Veseli, se bucură și se joacă până când, din greșeală, doboară soarele în mare. Pentru a salva lumea de întunericul etern, cei doi bărbați stângaci pornesc într-o misiune de salvare și navighează cu o barcă peste mare. Ei caută soarele pierdut deasupra și sub apă, pierd direcția, se ceartă, naufragiază, se pierd unul pe altul și aproape pier într-o furtună! Din fericire, există o modalitate rapidă de a goli marea, iar prietenii noștri se găsesc în cele din urmă în siguranță! Dar cum rămâne cu soarele?

Spectacolul a fost realizat în 2015 cu sprijinul Ministerului de Cultură israelian și a fost jucat de peste 100 de ori în Israel, Germania, Marea Britanie, Rusia, Ucraina, Turcia și Azerbaidjan.

ISRAEL

DAVAI Clown Theater

Under Construction

În construcție

Written, directed, and performed by DAVAI group with the financial support of the Israeli Culture Ministry

Cast: Vitaly Azarin, Losha Gavrielov, Fyodor Makarov 

Set and sound design: Losha Gavrielov 

Costumes: Yasmin Wollek 

Original music: Daniel Sinaisky 

Age limit: 12+ 

Non-verbal

SINOPSIS

A mad physical comedy, Under Construction tells a story of three eccentric roommates trying to boil a kettle. “The whole world can fit in a teapot” – Chinese proverb. 

Where are we? We don’t know. Where did we come from? We don’t remember. One thing for sure: now it’s time for a cup of tea! A physical comedy about three eccentrics sharing a crammed run-down flat: bulbs burning out, pipes bursting, mosquitoes biting, brains jammed, the outer world sending threatening signals… But these gentlemen want to have tea, and they will have it, even if the entire world is falling to pieces! Under Construction pulls the audience into a poetic, phantasmagoric realm, saturated with absurd humor. And beyond the clownesque and the grotesque, the physical virtuosity and the laughter, the show reveals insights about the world and how we cope with it.

În construcție este o comedie non-verbală nebunească, care relatează povestea a trei colegi de cameră excentrici, în încercarea lor de a folosi un fierbător. „Într-un ceainic poate încăpea lumea întreagă” – proverb chinezesc. 

Unde suntem? Nu știm. De unde am venit? Nu ne amintim. Un lucru e sigur: acum este timpul pentru o ceașcă de ceai! O comedie non-verbală despre trei excentrici care împart un apartament înghesuit: becuri care se ard, țevi care se sparg, țânțari care mușcă, creierul blocat, lumea exterioară trimite semnale amenințătoare... Dar acești domni vor să bea ceai și îl vor bea, chiar dacă întreaga lume se prăbușește! În construcție atrage publicul într-un tărâm poetic, fantasmagoric, saturat de umor absurd. Și dincolo de clovnesc și grotesc, virtuozitatea motrică și râs, spectacolul dezvăluie perspective despre lume și despre cum ne descurcăm noi cu și în ea.

ITALY

Il Posto Vertical Dance & Marco Castelli Small Ensemble

LoveBar

Based on La Bottega del Caffè by Carlo Goldoni

Concept, choreography, video: Wanda Moretti 

Dramaturgy: Marco Gnaccolini 

Music for sax and live electronics: Marco Castelli 

Dancers: Simona Forlani, Isabel Rossi, Gioele Cosentino 

Voice over: Michele Guidi 

Costumes: Valentina Mancini

SINOPSIS

LoveBar is an adaptation of the comedy La Bottega del Caffè by Carlo Goldoni, chosen to be translated into the form of a choreography for vertical dance, because it is a representative jumble of Power, Social, and Trade dynamics that makes the text contemporary. The show addresses issues of our everyday life and expresses them without the concepts brought by words, but through the unveiling in corporeal form of the intertwining of characters and social classes.

LoveBar este o adaptare a comediei Cafeneaua de Carlo Goldoni, aleasă pentru a fi tradusă în forma unei coregrafii pentru dans vertical, deoarece este un amestec reprezentativ al dinamicii Putere, Social și Comerț, care face ca textul să fie contemporan. Spectacolul abordează probleme ale vieții noastre de zi cu zi și le exprimă fără cuvinte, prin dezvăluirea sub formă corporală a împletirii de personaje și clase sociale.

PREZENTARE COMPANIE

Il Posto is the first company in Italy to specialize in site-specific performance on vertical surfaces. Originated in 1994 in Venice, the partnership between choreographer Wanda Moretti and musician Marco Castelli was formed to create vertical performances that combine dance, architecture, and music, merging the dramaturgy of the shows with the places in which they are represented, thus inspiring new ideas, reflections, and perspectives. Our artistic language – vertical dance – is understood as a body that moves perpendicularly to the wall, establishing a relationship with the space from a new perspective. The architecture and landscape play a central role, marking and distinguishing each show. The music is created specifically for each show, customized for each place, and performed live with the combination of the saxophone and live electronics. The shows on building facades are ‘performance-discovery’, through the sensory reading of architecture, poetic action, and the enhancement of a place with unique features.

Il Posto este prima companie din Italia specializată în reprezentații artistice pe suprafețe verticale. Înființată în 1994 la Veneția, prin parteneriatul dintre coregrafa Wanda Moretti și muzicianul Marco Castelli, compania s-a format cu scopul de a crea „spectacole la verticală” care îmbină dansul, arhitectura și muzica. Dramaturgia spectacolelor întâlnește și înglobează locurile în care acestea sunt reprezentate, inspirând astfel noi idei, reflecții și perspective. Limbajul nostru artistic – dansul vertical – este înțeles ca un corp care se mișcă perpendicular pe perete, stabilind o relație cu spațiul dintr-o nouă perspectivă. Arhitectura și peisajul joacă un rol central, influențând fiecare spectacol și făcându-l distinct. Muzica este compusă special pentru fiecare producție în parte, personalizată pentru fiecare loc și interpretată live (saxofon și muzică electronică). Spectacolele de pe fațadele clădirilor sunt „cercetări, descoperiri artistice”, prin lectura senzorială a arhitecturii, prin acțiune poetică și punere în valoare a unui loc, cu trăsăturile lui unice.

ITALY

Il Posto Vertical Dance & Marco Castelli Small Ensemble

Skyline

Concept and choreography: Wanda Moretti 

Music for sax and live electronics: Marco Castelli 

Dancers: Simona Forlani, Isabel Rossi, Gian Mattia Baldan 

Costume: Elettra Del Mistro 

Outfit: Vibram Furoshiki

SINOPSIS

Skyline is the profile of our cities; it's a line created by the buildings, it's the sign that crosses the sky and joins all the shapes on the horizon, and for this reason, it represents and characterizes the uniqueness of every place, both natural and urban. Between these buildings, vertical dance is inserted with a spectacular performance, where the dancers draw the sky with their bodies and make everyone who looks share the immense panorama.

Skyline este profilul orașelor noastre, este o linie trasată chiar de clădiri, este semnul care traversează cerul și unește toate formele de la orizont și, din acest motiv, reprezintă și caracterizează unicitatea fiecărui loc, atât natural, cât și urban. Între aceste clădiri se inserează dansul vertical, printr-o reprezentație spectaculoasă, în care dansatorii desenează cerul cu trupurile lor și îi fac pe toți cei care privesc să ia parte la imensa panoramă.

ITALY

imPerfect Dancers Company

Hamlet

Concept & choreography: Walter Matteini & Ina Broeckx 

Costumes: Weber+Weber Sartoria 

Stage design: Ina Broeckx 

Lighting design: Walter Matteini 

Music: Ezio Bosso, Antonio Vivaldi, Max Richter, Philip Glass

Cast: Simões Filipe Ana Margarida, Bajraktari Antonietta, Borel Bastian Jean, Marques Serra, Alves Diogo António, Vargas Mariana Elizabeth, Orlandi Simone

SINOPSIS

Our heroine, a mentally unstable young woman, identifies herself with her namesake, Shakespeare’s Ophelia. Reading is her only lifeline – when she reads, she finds peace and serenity. Reading Hamlet, she tries to understand what happened to her. Words take shape, characters come alive and through the story told by Shakespeare, Ophelia relives the dramatic events of her own life. Hamlet is a drama about life and death, and about the ambiguous relationships between people, offering the audience a journey through the darkest alleys of the human soul.

Eroina noastră, o tânără instabilă mental, se identifică cu omonima ei, Ofelia lui Shakespeare. Cititul este singurul ei colac de salvare – atunci când citește, își găsește pacea și liniștea. Citind Hamlet, încearcă să înțeleagă ce s-a întâmplat cu ea. Cuvintele prind contur, personajele prind viață și prin povestea spusă de Shakespeare, Ofelia retrăiește evenimentele dramatice din propria ei viață. Hamlet este o dramă despre viață și moarte, despre relațiile ambigue dintre oameni, oferind publicului o călătorie prin cele mai întunecate alei ale sufletului uman.

PREZENTARE COMPANIE

Since it was formed in Italy in 2009, imPerfect Dancers Company has taken the contemporary dance scene by storm, winning rave reviews and prestigious awards. Under the artistic direction of its founders, Walter Matteini and Ina Broeckx, the company has proved tirelessly creative as it evolves, expanding its repertoire and delighting audiences with its sensitive and compelling performances and bold, often courageous, artistic choices. In doing so, it has gained international recognition, securing its rightful place in the artistic landscape. imPerfect Dancers Company has taken its repertoire on tour, with performances in Canada, USA, Colombia, Brazil, Uruguay, Tanzania, Israel, Turkey, Croatia, Spain, Macedonia, Armenia, France, Germany, Italy, Poland, Switzerland, the Netherlands, Belgium, Romania, Monaco, and many others.

De când a fost înființată în Italia, în 2009, compania imPerfect Dancers a luat cu asalt scena dansului contemporan, bucurându-se de recenzii elogioase și câștigând premii prestigioase. Sub conducerea artistică a fondatorilor săi, Walter Matteini și Ina Broeckx, compania s-a dovedit, pe măsură ce a evoluat, neobosit de creativă, extinzându-și repertoriul și încântând publicul cu spectacolele sale sensibile și convingătoare și cu alegerile artistice îndrăznețe, adesea curajoase. Astfel, a câștigat recunoaștere internațională, asigurându-și locul cuvenit în peisajul artistic. Compania imPerfect Dancers a susținut turnee în Canada, SUA, Columbia, Brazilia, Uruguay, Tanzania, Israel, Turcia, Croația, Spania, Macedonia, Armenia, Franța, Germania, Italia, Polonia, Elveția, Țările de Jos, Belgia, România, Monaco și în multe alte țări.

JAPAN

Global Business Labo Inc.

The Life of Hokusai

Viața lui Hokusai

Artistic direction, choreography and lead role: Katsumi Sakakura 

Actress – Okoto, Hokusai’s wife: Yasuko Fujii 

Actress – Oei, Hokusai’s daughter: Karin Kato

SINOPSIS

Katsushika Hokusai is one of Japan's most famous painters. He is known worldwide for “The Great Wave,” a masterpiece whose popularity and impact have been compared to Leonardo da Vinci's “Mona Lisa.” The Life of Hokusai is a non-verbal theatrical performance depicting the inner conflict of one of the greatest Japanese painters, Katsushika Hokusai, through geibu, a mix of dance with martial arts. Can an obsession with art make us forget love? The Life of Hokusai attempts to answer this question by exploring the intimate world of one of the world's most brilliant and tormented artists: Katsushika Hokusai. Hokusai saw himself as a bridge between heavenly and earthly forces. The embodiment of a dragon! He felt there was nothing in the world that could frighten him... except the loss of his beloved wife. Despite all this immense love, Hokusai was so engrossed in his art that he neglected the illness of Koto, his wife, who had always supported him with admirable dedication... until one bad April morning when Koto suddenly fell dead to the ground and from that day on, Hokusai was tormented by the memory of his lack of attention to his beloved wife.

Katsushika Hokusai este unul dintre cei mai faimoși pictori ai Japoniei. Este cunoscut în întreaga lume pentru „Marele Val,” o capodoperă a cărei popularitate și impact au fost comparate cu cele ale tabloului „Mona Lisa” de Leonardo da Vinci. Viața lui Hokusai este un spectacol de teatru non-verbal care înfățișează conflictul interior al celui mai mare pictor japonez, Katsushika Hokusai, prin geibu, un amestec de dans cu arte marțiale. Poate obsesia pentru artă să ne facă să uităm dragostea? Spectacolul Viața lui Hokusai încearcă să răspundă la această întrebare explorând lumea intimă a unuia dintre cei mai străluciți și chinuiți artiști din lume: Katsushika Hokusai. Hokusai se vedea pe sine ca o punte între forțele cerești și cele pământești. Întruchiparea unui dragon! Simțea că nu există nimic pe lume care să-l sperie... în afară de pierderea iubitei sale soții, Koto. În ciuda acestei iubiri imense, Hokusai era atât de absorbit de arta sa, încât a neglijat boala ei. Koto îl susținuse întotdeauna cu o admirabilă dăruire... până când, într-o dimineață de aprilie, a căzut fără suflare la pământ și, din acea zi, Hokusai a fost chinuit de amintirea lipsei de atenție față de soția sa.

PREZENTARE ACTORI

Katsumi Sakakura 

Katsumi Sakakura founded Geibu performance art, which expresses the "movement, rhythm, and spirituality" unique to Japanese martial arts as a complete art form. It expresses the finely honed techniques of budō as an "art" and conveys the spirituality therein as a "message" to solve contemporary problems. It received the "Cool Japan Matching Award" sponsored by the Japanese government in 2022.

Katsumi Sakakura a fondat arta jocului scenic Geibu, care exprimă „mișcarea, ritmul și spiritualitatea”, unice pentru artele marțiale japoneze, ca formă de artă completă. Exprimă tehnicile fin șlefuite ale budō ca „artă” și transmite spiritualitatea acesteia ca „mesaj” pentru a rezolva probleme contemporane. În 2022, a primit „Cool Japan Matching Award”, sponsorizat de guvernul japonez.

Yasuko Fujii 

Yasuko Fujii is a Hiroshima-based opera singer and actress. She came to Italy as a scholarship holder and perfected her skills with J. Giardina. She plays leading roles in operas such as Madama Butterfly, Carmen, Don Giovanni, La Bohème, and Turandot in Italy and abroad. She is known to TV audiences as "Yasko" of the program Avanti un altro hosted by Paolo Bonolis.

Yasuko Fujii este o cântăreață de operă și actriță originară din Hiroshima. A venit în Italia ca bursieră și s-a perfecționat cu J. Giardina. Joacă roluri principale în opere precum Madama Butterfly, Carmen, Don Giovanni, La Bohème, Turandot, în Italia și în străinătate. Este cunoscută de publicul TV drept „Yasko” din emisiunea Avanti un altro, găzduită de Paolo Bonolis.

Karin Kato 

Karin Kato is a contemporary ballet dancer. Born in Canada, she grew up in Yokohama. She began practicing ballet at the age of five and graduated from the ballet class of the Music Department of Nippon Music High School. She then passed an audition to study in Canada, where she stayed for a long time, before returning to Japan in 2013. She has worked with choreographers in Japan, Canada, South Korea, and Hong Kong, and for international productions.

Karin Kato este dansatoare de balet contemporan. Născută în Canada, a crescut în Yokohama. A început să practice baletul la vârsta de cinci ani și a absolvit clasa de balet a Departamentului de Muzică al Liceului de Muzică Nippon. Apoi a trecut o audiție pentru a studia în Canada, unde a rămas mult timp. S-a întors în Japonia în 2013. A lucrat cu coregrafi din Japonia, Canada, Coreea de Sud, și Hong Kong, pentru producții internaționale.

JAPAN

usaginingen

Black Kite – Pulsation of Souls

Zmeul negru – Ritmul sufletelor

Created and performed by: Emi Hirai & Shinichi Hirai

SINOPSIS

The rhythms of inconveniences accumulated in the churning society of egos. The world is changing color, growing and withering as in human behavior, all reflected in the eyes of the black kite looking down from the sky above. One of Japan's most significant cases of illegal dumping occurred on Teshima, a remote island in Japan. Large amounts of waste were ferried to the island, burned, and left, transforming Teshima into an 'island of garbage'. This devastating activity disrupted the tranquil lives of the islanders and marred the once pristine beaches.

Ritmurile lucrurilor care nu ne convin adunate în agitația unei societăți a orgoliilor. Lumea își schimbă culoarea, crește și se ofilește, precum comportamentul uman. Totul se reflectă în ochii zmeului negru care privește în jos din cerul de deasupra. În Japonia, unul dintre cele mai îngrijorătoare cazuri de aruncare ilegală a deșeurilor a avut loc pe Teshima, o insulă îndepărtată. Cantități mari de deșeuri au fost transportate pe insulă, arse și lăsate acolo, transformând Teshima într-o „insulă de gunoi”. Această acțiune devastatoare a perturbat viața liniștită a locuitorilor insulei și a stricat plajele cândva curate.

PREZENTARE COMPANIE

Usaginingen is an audio-visual performance duo known for their unique handmade visual machines and instruments. They quickly gained a strong reputation for their style of performance and, in 2014, they won the Live Cinema competition at the Reykjavik Visual-Music Festival in Iceland. Their talent has also been recognized by Apple Japan, as they appeared in the company's advertising campaign "Beyond the Mac 2021". Usaginingen has been invited to perform in 77 cities across 23 countries. They have performed live at a variety of international festivals for art, music, and film, as well as at educational institutions to inspire young creators. After spending six years in Berlin, they are now based on a remote island in Japan, Teshima Island, and have opened their own theater. In recent years, beyond performance, there has been a focus on social activities aimed at forming village-like communities. This includes the creation of parks using abandoned farmlands and the management of artist residencies in abandoned buildings.

Usaginingen este un duo artistic audio-vizual, cunoscut pentru mașinăriile vizuale și instrumentele unice, realizate manual. Au câștigat rapid reputație datorită stilului lor interpretativ, dovadă fiind că, în 2014, au câștigat competiția Live Cinema la Festivalul Visual-Music de la Reykjavik, Islanda. Talentul lor a fost recunoscut și de Apple Japan, deoarece au apărut în campania publicitară a companiei „Dincolo de Mac 2021”. Compania Usaginingen a fost invitată să susțină reprezentații artistice în 77 de orașe din 23 de țări, la o varietate de festivaluri internaționale de artă, muzică și film, precum și în instituții de învățământ, pentru a inspira tinerii creatori. După ce au petrecut șase ani la Berlin, acum se află pe o insulă îndepărtată din Japonia, Teshima, unde și-au deschis propriul teatru. În ultimii ani, dincolo de spectacole, au pus accent pe activitățile sociale menite să formeze comunități asemănătoare satelor. Aceasta a inclus crearea de parcuri folosind terenuri agricole abandonate și gestionarea unor rezidențe artistice în clădiri abandonate.

LITHUANIA

Alytus City Theatre

Marytė

Maria

Author: Alvydas Šlepikas 

Directed by: Stas Zhyrkov 

Scenographer: Arturas Šimonis 

Composer: Andrii Symonovych 

Cast: Andra Kavaliauskaite, Egle Juškaite, Ona Gudaityte, Povilas Adomaitis, Vaidas Praspaliauskas, Tomas Pukys

SINOPSIS

The play Marytė tells the story of the "Wolfskinder" children, orphaned or separated from families after WWII. Around 7,000 young children, some alone, some with a parent, fled hunger by traveling westward. Lithuania, Latvia, Estonia, Belarus, and Ukraine became their refuge. Living under Soviet rule, these children couldn't share their past. Only after Lithuania's independence could they reclaim their identities and search for relatives. The Edelweiss-Wolfskinder community in Lithuania still supports these former German "Wolfskinder" (aged 3 to 16) in rediscovering their roots and heritage.

Piesa Maria spune povestea copiilor „Wolfskinder”, orfani sau despărțiți de familiile lor în urma celui de-al Doilea Război Mondial. Aproximativ 7.000 de copii, unii singuri, alții însoțiți de un singur părinte, mânați de foame, au călătorit spre vest. Lituania, Letonia, Estonia, Belarus și Ucraina au devenit refugiul lor. Trăind sub stăpânire sovietică, acești copii nu își puteau împărtăși trecutul. Abia după independența Lituaniei și-au putut recupera identitatea și căuta rudele. Comunitatea Edelweiss-Wolfskinder din Lituania îi sprijină în continuare pe acești foști „Wolfskinder” germani (cu vârste între 3 și 16 ani) în redescoperirea rădăcinilor și moștenirii lor.

PREZENTARE TEATRU

Alytus City Theatre is the only professional theatre in Southern Lithuania. It maintains one of the most important places in the vibrant cultural space of Alytus city, activates, nurtures, and expands it. The theatre was founded in 1988, and this year marks its 36th theatre season. Since 2012, Alytus City Theatre has organized the annual international festival COM • MEDIA, which is already well-known, visible, and eagerly awaited by the audience, presenting the latest creative ideas of theatres. The mission of the theatre is to spread theatrical art and present it to the public, maintaining an open dialogue with the audience and the artist, promoting citizenship, tolerance, and good social relations.

Alytus City Theatre este singurul teatru profesionist din sudul Lituaniei. Ocupă unul dintre cele mai importante locuri în spațiul cultural vibrant al orașului Alytus și chiar îl pune în mișcare, îl hrănește și îl extinde. Teatrul a fost fondat în 1988 și anul acesta marchează cea de-a 36-a stagiune teatrală. Din 2012, Alytus City Theatre organizează anual festivalul internațional COM • MEDIA, care este deja bine cunoscut, vizibil și așteptat de public, prezentând cele mai noi idei creative ale teatrelor. Misiunea teatrului este de a răspândi arta dramatică și de a o prezenta publicului, menținând un dialog deschis cu acesta și cu artiștii, promovând statutul de cetățean, toleranța și bunele relații sociale.

POLAND

Grotowski Institute and Kugacz-Semerci Studio

Nobody Meets Nobody

Nimeni nu întâlnește pe nimeni

Authors: Aleksandra Kugacz-Semerci and Mertcan Semerci

Directed by: Associate director Jarosław Fret

Stage movement conceived in collaboration with Joanna Jaworska-Maciaszek

Cast: Aleksandra Kugacz-Semerci and Mertcan Semerci

Performing language: Polish and English only basic language

Age limit: 16+

SINOPSIS

Physical theatre of emotions.

We exist in the existence of Others, and by assuming that YOU exist, we gain certainty about our own existence, even when we don't notice it or can no longer distinguish ourselves from the other. We are parts of our own stories created for each other, in minds that still fall asleep next to each other but always dream separately. Do we need another constantly present person to confirm and realize our own identity, someone who is a witness to our existence, our dying, and our forgetting, our constant departure? We leave, setting out to another self, another city, another life, another planet, another world. Yet we often stay in the hallway, halted by the chaos that will never give birth to any star, struck by our own thoughts, as if we had grabbed an unprotected live wire during the mundane task of changing a light bulb, fearing eternal darkness. But as long as the light is on, we plan to leave, to leave the Other, his life, his words, his stories. Loneliness is like a streetwalker, offering quick pleasure along with a handkerchief to wipe away tears. It is Different, it is only mine, it is like Me. Meeting the Other is no longer necessary; here, Nobody Meets Nobody.

Teatrul fizic al emoțiilor.

Existăm în existența celorlalți, iar presupunând că TU exiști, căpătăm certitudinea propriei noastre existențe, chiar și atunci când nu observăm acest lucru sau nu mai putem distinge între noi și celălalt. Suntem părți ale propriilor noastre povești create unii pentru alții, în minți care încă adorm una lângă cealaltă, dar visează întotdeauna separat. Avem nevoie de o altă persoană, mereu prezentă, pentru a confirma și a realiza propria noastră identitate, de cineva care să fie martorul existenței noastre, al morții și al uitării noastre, al plecării noastre constante? Plecăm, îndreptându-ne către un alt sine, un alt oraș, o altă viață, o altă planetă, o altă lume. Totuși, adesea rămânem în hol, opriți de haosul care nu va da niciodată naștere vreunei stele, loviți de propriile noastre gânduri, ca și cum am fi apucat un fir electric neprotejat în timpul sarcinii banale de a schimba un bec, temându-ne de întunericul etern. Dar atâta timp cât lumina este aprinsă, plănuim să plecăm, să plecăm de la Celălalt, din viața lui, din cuvintele lui, din poveștile lui. Singurătatea este ca o prostituată, oferind o plăcere rapidă împreună cu o batistă pentru a șterge lacrimile. Este Diferită, este doar a mea, este ca Mine. Întâlnirea cu Celălalt nu mai este necesară; aici, Nimeni nu întâlnește pe Nimeni.

DESPRE INSTITUT SI DESPRE ACTORI

Grotowski Institute, Poland

The Grotowski Institute, located in Wrocław, Poland, stands as a premier cultural and research center dedicated to advancing the theatrical arts. Named after the influential Polish theatre director Jerzy Grotowski, known for his revolutionary approaches to actor training and performance, the institute continues his legacy by serving as a beacon for theatrical innovation and education. It offers a rich repository of Grotowski’s archival materials, making it an essential destination for scholars and practitioners who wish to delve into the detailed studies of his pioneering methods and their application in contemporary theatre.

Beyond its role as a custodian of history, the Grotowski Institute actively engages the international theatre community through a diverse array of programs. It organizes workshops, masterclasses, and performances, often in collaboration with leading global theatre experts and companies. These initiatives are designed to explore and disseminate the physical and psychological techniques of acting that Grotowski championed. Furthermore, the institute's commitment to fostering international dialogue about contemporary theatre is evident in its frequent publications and the hosting of conferences that attract participants from across the world, promoting a vibrant exchange of ideas and continuing innovation in the arts.

Institutul Grotowski este un centru cultural și de cercetare de prim rang, dedicat artelor teatrale. Denumit după celebrul regizor de teatru polonez Jerzy Grotowski, cunoscut pentru abordările sale revoluționare în pregătirea actorilor și în performance, institutul continuă moștenirea acestuia, servind ca vârf de lance pentru inovație și educație teatrală. Oferă o bogată arhivă de materiale ale lui Grotowski, fiind o destinație esențială pentru cercetători și practicieni care doresc să aprofundeze metodele și aplicarea acestora în teatrul contemporan.

Dincolo de rolul său în păstrarea vie a istoriei, Institutul Grotowski se angajează activ în comunitatea teatrală internațională prin intermediul unei game diverse de programe. Organizează ateliere, masterclass-uri și spectacole, adesea în colaborare cu experți și companii de teatru de vârf la nivel global. Aceste inițiative sunt menite a explora și disemina tehnicile fizice și psihologice de actorie pe care Grotowski le-a propus. În plus, continua strădanie a institutului de a facilita dialogul internațional despre teatrul contemporan este evidentă în publicațiile frecvente și în organizarea de conferințe care atrag participanți din întreaga lume, promovând un schimb vibrant de idei și continuând inovația în arte.

Aleksandra Kugacz-Semerci

Aleksandra Kugacz-Semerci graduated in philosophy from the University of Wrocław, Poland. She is an actress/performer with Teatr ZAR. At the Grotowski Institute, she created her solo piece Exits, inspired by the contemporary history and culture of Romania as well as Herta Müller’s novels and essays. In 2015, she created a project inspired by the postwar experiences of residents of former Breslau (solo piece Being at Home).

Aleksandra Kugacz-Semerci a absolvit Facultatea de Filosofie la Universitatea din Wrocław, Polonia. Este actriță/performer la Teatr ZAR. La Institutul Grotowski, a creat piesa sa solo, Exits, inspirată de istoria și cultura contemporană a României, precum și de romanele și eseurile Hertei Müller. În 2015, a creat un proiect inspirat de experiențele de după război ale locuitorilor fostului Breslau (piesa solo Being at Home).

Mertcan Semerci

Mertcan Semerci was born in Istanbul. He graduated from Bilkent University (Ankara), Faculty of Music, Dramatic Arts, and Theatre. Mertcan Semerci lives in Poland, and since 2018 he has been working with Teatr ZAR, with whom he performs in Medeas: On Getting Across, Anhelli The Howl, and Moirai. In 2023 and 2024, both actors participated in the performance I Should Have a Party for All the Thoughts I Didn’t Say, a collaboration between Teatr ZAR, Grotowski Institute, Pina Bausch Zentrum, and Source Material company, and in the multinational performance The Passage, coproduced with Grotowski Institute, Theaterlabor Bielefeld (Germany), and Plavo Pozoriste (Serbia).

Mertcan Semerci s-a născut la Istanbul. A absolvit Universitatea Bilkent (Ankara), Facultatea de Muzică, Arte Dramatice și Teatru. Mertcan Semerci trăiește în Polonia și, din 2018, colaborează cu Teatr ZAR, cu care joacă în spectacolele Medeas: On Getting Across, Anhelli The Howl și Moirai. În 2023 și 2024, ambii actori au participat în spectacolul I Should Have a Party for All the Thoughts I Didn’t Say, o colaborare între Teatr ZAR, Institutul Grotowski, Pina Bausch Zentrum și compania Source Material, și în spectacolul multinațional The Passage, coprodus cu Institutul Grotowski, Theaterlabor Bielefeld (Germania) și Plavo Pozoriste (Serbia).

POLAND

Grotowski Institute and Studio WACHOWICZ/FRET

Sheol

Author: Studio WACHOWICZ/FRET

Directed by: Jaroslaw Fret

Set and costume design by: Studio WACHOWICZ/FRET

Music by: Marcin ‘Cozer’ Markiewicz
Musical arrangements: Olivier Messiaen’s Quartet for the End of Time: Cornelius Zirbo (cellist), Karol Knapinski (piano)

Cast: Monika Wachowicz, Marcin ‘Cozer’ Markiewicz, Cornelius Zirbo, Karol Knapinski

Performing language: Polish, English

Age limit: 16+

SINOPSIS

Sheol/ שְׁאוֹל is at once a theatrical séance and a very contemporary lamentation for the dead and the undead, the born and the unborn. It is a descent to the bottom of silence, down the thin line of breath, voice, and sound; a silence that, like the mythical Sheol, covers and closes, becoming a veil through which no feeling or image can pass. Love is the only force that can save those entering Sheol. Their descent is accompanied by music, or rather its extraordinary density, as if our bodies were just a sound or an instrument and, at the same time, a path into bottomless depths. Inspired by a fascination with Henryk Górecki’s Symphony No. 3, also known as The Symphony of Sorrowful Songs, and including excerpts from Olivier Messiaen’s Quartet for the End of Time and Gregorio Allegri’s Miserere, Sheol is a story about the desire and will to live a life that is full and vibrant like breathing fire.

Sheol/ שְׁאוֹל este în același timp o sesiune teatrală și o lamentație foarte contemporană pentru morți și nemuritori, pentru cei născuți și nenăscuți. Este o coborâre până la fundul tăcerii, pe linia subțire a respirației, vocii și sunetului; o tăcere care, asemenea miticului Sheol, acoperă și închide, devenind un văl prin care niciun sentiment sau imagine nu poate trece. Iubirea este singura forță care poate salva pe cei care intră în Sheol. Coborârea lor este însoțită de muzică, sau mai degrabă de densitatea sa extraordinară, de parcă trupurile noastre ar fi doar un sunet sau un instrument și, în același timp, o cale spre adâncurile fără fund. Inspirat de o fascinație pentru Simfonia Nr. 3 a lui Henryk Górecki, cunoscută și sub numele de Simfonia Cântecelor Triste, și incluzând fragmente din Cvartetul pentru sfârșitul timpului de Olivier Messiaen și Miserere de Gregorio Allegri, Sheol este o poveste despre dorința și voința de a trăi o viață plină și vie ca focul care respiră.

DESPRE COMPANIE

Studio WACHOWICZ/FRET is a creative tandem whose first completed work, Sheol/ שְׁאוֹל, was created in December 2021. The artists focus on the interpenetration of theatre and performance art and on the complementarity of the two in each act on stage. Marked by hybridity and openness, the Studio’s works can be described with words such as performative installation, séance, and action. Their common denominator is sonority and an exceptional focus on sound and vibrations associated with even the smallest of actions. Wachowicz and Fret regularly collaborate with artists for whom musical sensitivity is paramount in defining the interpersonal and the quintessentially human. The Studio often uses tools derived from the tragic tradition rather than the dramatic one, aiming at what the artists describe as intravenous hearing of the world!

Studio WACHOWICZ/FRET este un tandem creativ a cărui primă lucrare finalizată, Sheol/ שְׁאוֹל, a fost creată în decembrie 2021. Artiștii se concentrează pe interpătrunderea dintre teatru și artele performative și pe complementaritatea celor două în fiecare gest de pe scenă. Marcate de hibriditate și deschidere, lucrările studioului pot fi descrise în mai multe feluri – instalație performativă, séance și acțiune. Numitorul lor comun este sonoritatea și o atenție excepțională acordată sunetului și vibrațiilor asociate chiar și celor mai mici acțiuni. Wachowicz și Fret colaborează regulat cu artiști pentru care sensibilitatea muzicală este primordială în definirea interpersonalului și a esențialului uman. Studioul folosește adesea instrumente derivate din tradiția tragică mai degrabă decât cea dramatică, vizând ceea ce artiștii descriu ca fiind auzirea intravenoasă a lumii!

REPUBLIC OF MOLDOVA

Teatrul Fără Nume

Nameless Theatre

Mahamaya Electronic Devices

Author: Iwan Wyrypajew 

Translated by: Elvira Rîmbu 

Directed by: Mykola Mishyn 

Scenography: Mila Gogenko 

Costume design: Mila Gogenko and Inga Botnariuc 

Music: Jacek Jędrasik 

Cast: Mihaela Popescu, Nicoleta Zghibarță, Victoria Manciu, Cătălina Cazacu

Age limit: 14+

SINOPSIS

A theatrical experience without characters. The four artists pose and answer fundamental questions from the stage about: science, politics, family, drugs, sex, religion... Both the audience and the actors seek answers to the questions we ask ourselves every day. In fact, none of the questions find their answer. Who are we really? A new play written by Iwan Wyrypajew , where the author addresses contemporary topics about the meaning of life, spiritual development, evolution, compassion, war, sex, ecology.

O experiență teatrală fără personaje. Cei patru artiști pun și răspund de pe scenă la întrebări fundamentale despre: știință, politică, familie, droguri, sex, religie... Atât publicul, cât și actorii caută răspunsuri la întrebările pe care ni le punem zi de zi. De fapt, niciuna dintre întrebări nu își află răspunsul. Cine suntem noi cu adevărat? O nouă piesă scrisă de Ivan Vyrypaev, unde autorul abordează subiecte actuale despre sensul vieții, dezvoltarea spirituală, evoluție, compasiune, război, sex, ecologie.

PREZENTARE COMPANIE

The Nameless Theatre from Chișinau is a theatre of sublime feelings that open up in the viewer's soul, a theatre of metaphors presented through image, movement, and feelings.

Teatrul Fără Nume din Chișinau este un teatru al sentimentelor sublime, care se deschid în sufletul privitorului, un teatru al metaforelor prezentate prin imagine, mișcare și sentimente.

ROMANIA

Tony Bulandra Theatre, coproduction Daejeon Theatres Association

Micul prinț

The Little Prince

After Antoine de Saint-Exupéry

Adaptation by: Liviu Cheloiu

A show by: Mihai Constantin Ranin

Violin: Ioana Hrior 

Voices: Ana Maria Carablais, Liviu Cheloiu 

Drawings by: Codrin Cheloiu 

Video creation: Cătălin Cărămidă 

Cast: Codrin Cheloiu, Liviu Cheloiu

SINOPSIS

“All grown-ups were once children, but only few of them remember it.”

We find this thought in the prologue of the book The Little Prince by Antoine de Saint-Exupéry, often seen as a children's book, but sprinkled with allegorical situations and philosophical meanings.

The show The Little Prince is the story of a child who wants to understand the world. He travels with the help of imagination and technology to different planets, each owned by a unique character. Each of these characters gives him a lesson, sometimes in the form of a metaphor. We witness a process of maturation, a simulator of experiences.

The Little Prince is played by a child actor, who also created the drawings that were later animated into videos. The child actor, Codrin Cheloiu, performs alongside his father, Liviu Cheloiu. In this production, the character played by Liviu Cheloiu is actually the Father, a father who agrees to play the game proposed by the child and to embody the rest of the characters. The Father accompanies his son both in life, on stage, and in the storyline.

„Toți adulții au fost cândva copii, doar că puțini dintre ei își amintesc.”

Regăsim acest gând în prologul cărții „Micul prinț” de Antoine de Saint-Exupéry, privită adesea drept o carte pentru copii, dar presărată cu situații alegorice și sensuri filosofice.

Spectacolul „Micul prinț” este povestea unui copil care vrea să înțeleagă lumea. El călătorește cu ajutorul imaginației și al tehnologiei pe diferite planete, deținute de câte un personaj inedit. Fiecare dintre aceste personaje îi dă o lecție, uneori sub forma unei metafore. Suntem martorii unui proces de maturizare, unui simulator de experiențe.

Micul Prinț este interpretat chiar de un actor-copil, care a realizat desenele ce au fost, mai apoi, animate video. Actorul-copil, Codrin Cheloiu, joacă alături de tatăl său, Liviu Cheloiu. În această producțIe, personajul jucat de Liviu Cheloiu este chiar Tatăl, un tată care acceptă să joace jocul propus de copil și să întruchipeze și restul personajelor. Tatăl își însoțește fiul atât în viață, pe scenă, cât și în economia poveștii.

DESPRE TEATRU

Founded in early 2002, the Tony Bulandra Theater quickly gained recognition due to its talented team of artists and a rich repertoire that prioritizes collaborations with renowned directors both nationally and internationally. The institution rapidly became an essential cultural landmark in the local community, offering the public remarkable creations by established artists from various countries. The Tony Bulandra Theater aims to create an authentic space for debate and the promotion of European cultural values, developing international relationships with cultural institutions worldwide.

Inaugurat la începutul anului 2002, Teatrul Tony Bulandra a câștigat rapid recunoaștere datorită echipei sale talentate de artiști și a unui repertoriu bogat, care privilegiază colaborările cu regizori renumiți atât pe plan național, cât și internațional. Instituția a devenit rapid un reper cultural esențial în comunitatea locală, oferind publicului creații remarcabile ale unor artiști consacrați din diverse țări. Teatrul Tony Bulandra își propune să creeze un spațiu autentic de dezbatere și promovare a valorilor culturale europene, dezvoltând relații internaționale cu instituții culturale din întreaga lume. 

ROMANIA

Teatrul Tony Bulandra, Târgoviște

The Good Person of Szechwan

Omul cel bun din Seciuan

Author: Bertolt Brecht

Directed by: Dumitru Acriș 

Dramaturgy: Angelina Roșca-Ichim 

Scenography: Mc Ranin 

Choreography: Teodora Velescu 

Video: Cătălin Cora

Cast: Andreea Tănase, Mara Opriș, Liviu Cheloiu, Ciprian Nicula, Delia Lazăr, Lavinia Pele, Antonia Ionescu, Corneliu Jipa, Andrei Mărcuță, Emanuel Bighe, Iulia Dinu, Florin Georgescu Jr., Ilie Ghergu, Octavia Gheboianu

SINOPSIS

The performances directed by Dumitru Acriș in Târgoviște have always proven to be captivating, unsettling, and shocking. As a director, Dima pushes actors to the upper limits of their artistic possibilities, uncovering new aspects of humanity as well as instinctuality.

The Good Person of Szechwan, written by German playwright Bertolt Brecht, addresses flagrant social inequities that affect the characters' souls, distorting their reactions.

Szechwan is a province in southwestern China. The western and northwestern parts of this province consist of autonomous Tibetan areas. Setting the action in distant China is an allegorical choice by the playwright for the entire political situation in Germany in the 1930s and 1940s. At the time of writing this play, Brecht was in exile in the United States due to the rise of Hitlerism and his opposition to it. Today, in various parts of the world, humanity is not spared from tyranny, oppression, madness, anarchy, poverty, and misery. How can one remain good under these conditions?

The play tells the story of Shen Te, a woman who creates a male alter-ego, her cousin Shui Ta, to withstand a hostile and greedy world. Constantly used and disappointed by those around her, Shen Te clings desperately to goodness. Without it, her life would become completely meaningless. Furthermore, in her desire to give meaning to others' lives, Shen Te sacrifices herself. Is there a God for whom her sacrifice matters?

Spectacolele realizate de Dumitru Acriș la Târgoviște s-au dovedit, de fiecare dată, captivante, incomode și șocante. Ca regizor, Dima împinge actorul spre limita superioară a posibilităților artistice, descoperind noi zone ale umanului, dar și ale instinctualității.

Piesa de teatru „Omul cel bun din Seciuan”, scrisă de dramaturgul german Bertolt Brecht, vorbește despre flagrante inechități sociale, care se răsfrâng asupra sufletelor personajelor, denaturându-le reacțiile.

Seciuan este o provincie din sud-vestul Chinei. Partea de vest și nord-vest a acestei provincii este formată din zone autonome tibetane. Amplasarea acțiunii în îndepărtata Chină este o opțiune alegorică a dramaturgului pentru întreaga situație politică din Germania anilor 1930-1940. La momentul scrierii acestei piese, Brecht se afla în exil, în Statele Unite ale Americii, din cauza ascensiunii hitleriste și a atitudinii sale împotriva ei. În prezent, în diferite părți ale globului, omenirea nu este scutită de tiranie, opresiune, nebunie, anarhie, sărăcie și mizerie. Cum să rămâi bun în condițiile date?

Spectacolul spune povestea lui Șen De, o femeie care își creează un alter-ego masculin, vărul Șui Ta, pentru a putea rezista în fața unei lumi ostile și hrăpărețe. Constant folosită și dezamăgită de cei din jur, Șen De se agață cu disperare de bunătate. În absența ei, viața i-ar deveni complet fără sens. Mai mult, în dorința de a da sens vieților altora, Șen De se sacrifică pe sine. Există acel Dumnezeu pentru care sacrificiul ei să conteze?

ROMANIA

Teatrul Tony Bulandra, Târgoviște

Richard 3. Omul

Richard 3. The Man

Adapted by Șerban Fleancu after Richard III, Henry VI, Part II and Part III

With: Liviu Cheloiu 

Directed by: Șerban Fleancu 

Set Design: Mc Ranin 

Video design: Adrian Mărgineanu,  Șerban Fleancu 

Lighting Design: Adrian Dragomir 

Sound Design: Șerban Fleancu 

Technical Direction: Iulian Scarlat

SINOPSIS

Richard 3. Omul este o călătorie inspirată de cel mai captivant personaj al lui William Shakespeare, Richard al III-lea. Printr-o metodă de cercetare bazată pe practică, am încercat să pătrundem în adâncul psihicului său și să explorăm complexitatea personajului construit de Shakespeare, pentru a corela ulterior rezultatele cu adevărul istoric despre Richard al III-lea și să identificăm dilemele morale apărute în urma acestui proces.

Printr-o serie de monologuri, solilocvii și scene interactive, Richard al III-lea își va arăta personalitatea cameleonică, invitând publicul să fie părtaș la mecanismele prin care acesta reușește să-i manipuleze pe cei din jurul lui, indiferent la consecințele faptelor sale, pentru a-și atinge scopul.

Nu ne-am dorit să facem un spectacol de arheologie teatrală, ci să găsim un punct culminant al experimentului teatral și explorării artistice. Cufundându-ne în textul lui Shakespeare, contextul istoric și temele din Richard al III-lea, am creat un spectacol care surprinde esența viziunii shakespeariene, oferind în același timp perspective și interpretări noi. Pe parcursul spectacolului, vom explora o serie de teme, precum puterea și atracția sa corupătoare, natura răului, manipularea limbajului și liniile subțiri dintre realitate și ficțiune.

Richard 3. Omul este un spectacol unic, captivant, ce oferă o experiență teatrală inedită, care celebrează puterea povestirii și potențialul transformator al artelor spectacolului.

Richard 3. The Man is a journey inspired by William Shakespeare's most captivating character, Richard III. Through a practice-based research method, we have tried to delve into his psyche and explore the complexity of the character constructed by Shakespeare, in order to later correlate the results with the historical truth about Richard III and identify the moral dilemmas that arose from this process.

Through a series of monologues, soliloquies, and interactive scenes, Richard III will showcase his chameleon-like personality, inviting the audience to witness the mechanisms through which he manages to manipulate those around him, indifferent to the consequences of his actions, in order to achieve his goal.

We did not aim to create a theatrical archaeology show, but rather to find a culminating point of theatrical experimentation and artistic exploration. By immersing ourselves in Shakespeare's text, the historical context, and the themes of Richard III, we have created a show that captures the essence of Shakespeare's vision, while also offering new perspectives and interpretations. Throughout the performance, we will explore a series of themes, such as power and its corrupting allure, the nature of evil, the manipulation of language, and the thin lines between reality and fiction.

Richard 3. The Man is a unique, captivating show that offers an innovative theatrical experience, celebrating the power of storytelling and the transformative potential of the performing arts.

ROMANIA

Teatrul Dramatic „Ion D. Sîrbu” din Petroșani

Avarul

The Miser

Adapted after: Molière

A show created by: Mc Ranin

Choreography: Hugo Wolff

Cast: Oana Liciu-Gogu, Mihai Alexandru, Patgricia Buraga, Bogdan Constantin, Simona Codreanu, Daniel Cergă, Izabela Badovic, Laurențiu Vlad, Mihai Sima, Gheorghe Stoica, Andrada Dobre

SINOPSIS

The Miser is one of Molière's most well-known plays, featuring a rather complex but all the more bubbly story. The miserly Harpagon is obsessed with guarding his wealth, and he will do anything for it, neglecting his children and pretending to be bankrupt. A clever plot by those around him causes him to lose his money, accepting some compromises for the benefit of others. Director Mc Ranin opted for an almost clownish approach, with exaggerated contours, to the plot and relationships between characters, in a performance full of music and movement, utilizing elements of commedia dell’arte, from costumes and makeup to slapstick. This is his first collaboration with the "Ion D. Sîrbu" Theater. The staging of "The Miser" also marks the International Molière Year in Petroșani, on the 400th anniversary of the playwright's birth.

Avarul este una din cele mai cunoscute piese de Molière, cu o poveste destul de complexă, dar cu atât mai spumoasă. Zgârcitul Harpagon este obsedat să-și păzească avuția, iar pentru asta face orice, neglijându-și copiii și prefăcându-se falit. Un complot deștept al celor din jur îl face să-și piardă bănetul, acceptând niște compromisuri pentru binele altora. Regizorul Mc Ranin a optat pentru o abordare în cheie aproape clovnescă, cu contururi îngroșate, a intrigii și relațiilor dintre personaje, într-un spectacol cu multă muzică și mișcare, folosind elemente de commedia dell’arte, de la costumație și machiaj la bastonade. Aceasta este prima sa colaborare cu Teatrul „Ion D. Sîrbu”. Montarea cu „Avarul” marchează și la Petroșani Anul Internațional Molière, la 400 de ani de la nașterea dramaturgului.

PREZENTAREA COMPANIEI

The ”Ion D. Sîrbu” Dramatic Theatre from Petroșani has had a rich and dynamic history, marking the cultural evolution of the city. Initially, between 1923-1925, the Romanian Joint Stock Company of Petroșani built a workers' casino, with a festivity hall of 400 seats designated for artistic and theatrical performances. In 1948, this location became the home of the People's Theater, which was later renamed in 1949 as the "Valea Jiului" State Theater. It moved in 1981 to a historic building, built in 1905, which was adapted to theatrical needs and inaugurated in 1983. In 1991, the theater was renamed the "Ion D. Sîrbu" Dramatic Theater, continuing to serve as a vital center of dramatic arts for the Valea Jiului community.

Teatrul Dramatic „Ion D. Sîrbu” din Petroșani a avut o istorie bogată și dinamică, marcând evoluția culturală a orașului. Inițial, în 1923-1925, Societatea Anonimă Română Petroșani a construit un cazinou muncitoresc, cu o sală de festivități de 400 de locuri destinată reprezentațiilor artistice și teatrale. În 1948, în acest loc a fost înființat Teatrul Poporului, redenumit ulterior în 1949 ca Teatrul de stat „Valea Jiului”. Acesta s-a mutat în 1981 într-un sediu istoric, construit în 1905, care a fost adaptat nevoilor teatrale, inaugurându-l în 1983. În 1991, teatrul a fost redenumit în Teatrul Dramatic „Ion D. Sîrbu”, menținându-se ca un centru vital al artei dramatice pentru comunitatea din Valea Jiului.

SCOTLAND

Performing Arts Studio Scotland

Edinburgh College

Amity of Triquetra

Author: The PASS Company 

Directing Mentorship provided by: Ashling Findlay-Carroll 

Cast: Daisy Campbell, Jack Houlison, Niall McCluskey, Dylan Mooney, Lewis Thomas, Lucy West

Performing language: English

SINOPSIS

This new piece of physical theatre performance explores the idea of friendship and connection. Inspired by the imagery and history of the Celtic knot of love, the movement and imagery draw upon the ideas of the power of three: past, present, and future; body, mind, and soul; and the Celtic concept of land, sea, and sky. The dynamic performers aim to provide an offering of peace and friendship across cultures, languages, and miles.

Acest spectacol nou de teatru fizic explorează ideea de prietenie și conexiune. Inspirat de imaginea și istoria nodului celtic al iubirii, mișcarea și imaginile se bazează pe ideile puterii celor trei componente: trecut, prezent și viitor; trup, minte și suflet; și conceptul celtic de pământ, mare și cer. Interpreții dinamici își propun să ofere o ofrandă de pace și prietenie între culturi, limbi și distanțe.

PREZENTARE COMPANIE

Performing Arts Studio Scotland is based in Edinburgh and provides a dynamic and supportive environment which supports students at every level and in every aspect of their training. This company is formed of students from Higher National Diploma and BA (Hons) who have been training in Acting & Performance. They have worked with expert teaching staff who have a wide spectrum of strengths and specialisms and participated in a curriculum which supports students to be diverse in their employment opportunities and ambitions. This piece is a collaboration that draws upon their talents across their learning.

Performing Arts Studio Scotland are sediul în Edinburgh și oferă un mediu dinamic și de susținere, care sprijină studenții la fiecare nivel și în fiecare aspect al formării lor. Această companie este formată din studenți de la Higher National Diploma și BA (Hons) care s-au pregătit în specializările Actorie și Artele Spectacolului. Aceștia au lucrat cu cadre didactice care au un spectru larg de puncte forte și specializări și au urmat un curriculum care oferă studenților flexibilitate în oportunitățile lor de angajare și ambiții. Această piesă este o colaborare care se bazează pe talentele lor din procesul de învățare.

UKRAINE

Donetsk Regional Academic Drama Theatre of Mariupol

Mariupol Drama

Text: Oleksandr Gavrosh based on actors' stories. 

Production director, music design: Honored Artist of Ukraine Yevhen Tyshchuk 

Scenographer: Emma Zaitseva, Honored Art Worker of Ukraine

SINOPSIS

Story-telling performance Mariupol Drama. You will meet the actors who were in the theater during the bombing and hear their stories first-hand! 60 minutes of the most intense episodes combined into a coherent story, the viewer of which becomes a direct participant in that reality. On stage, the audience sees several stories: Vera Lebedynska, Elena Bila, Ihor Kitrysh, Matvyi Kitrysh. They tell how they tried to survive in the drama theater: a singer and an acting family with a schoolboy son, Matvyi.

Un spectacol bazat pe tehnica story-telling-ului despre drama din Mariupol. Veți întâlni actorii care au fost în teatru în timpul bombardamentului și veți auzi poveștile lor la cald! 60 de minute dintre cele mai intense, episoade combinate într-o poveste coerentă, al căror spectator devine participant direct la acea realitate. Pe scenă, publicul vede mai multe povești, cele ale: Verei Lebedynska, cea a Elenei Bila, a lui Ihor Kitrysh și Matvyi Kitrysh. Ei povestesc cum au încercat să supraviețuiască în drama petrecută la teatru: o cântăreață și o familie de actori cu un fiu școlar, Matvii.

DESPRE TEATRU DE PE NET

Donetsk Regional Academic Drama Theatre is a theatre in Mariupol in southern Ukraine. It was constructed in 1960 and it came to international attention when it was largely destroyed by Russian military airstrikes on 16 March 2022, resulting in the deaths of around 600 people.

Teatrul Academic Dramatic Regional Donețk este un teatru din Mariupol, în sudul Ucrainei. A fost construit în 1960 și a intrat în atenția internațională a publicului când a fost în mare parte distrus de atacurile aeriene ale armatei ruse pe 16 martie 2022, rezultând în moartea a aproximativ 600 de persoane.

HUNGARY

Csokonai Nemzeti Színház Debrecen

Csokonai National Theater Debrecen

The Trojan Women

Troienele

Authors: Euripides, J.P. Sartre, Gyula Illyés (Hungarian translator) 

Directed by: Szabó K. István 

Set and costume design by: Antal Csaba, Kiss Beatrix 

Music: Ovidiu Iloc 

Cast: Ráckevei Anna, Tokai Andrea, Nagyidai Gergő, Hajdu Imelda, Fátyol Kamilla, Szép Evelin, Benedek Tímea

Technical director: Tóth Attila

Head of the artistic administration: Kiss Judit Erzsébet

Stage assistant Horváth Ágnes

Light technicians: Farkas János, Börner Dominik

Sound technicians: Endi András, Pápai Károly
Video technician: Babits László

Stage master: Nagy Dániel

Hairdresser: Dobi Judit
Theatre dresser: Kiss Rebeka

Stagehands: Kecskeméti János, Farkas Zoltán

Performing language: Hungarian with English subtitles 

Age limit: 12+

SINOPSIS

In the 20th century, in the shadow of world wars, Euripides' so-called "anti-war" dramas – Hecabe and The Trojan Women – received special attention, in which the author shows the senseless human suffering caused by war from the perspective of the vanquished side, especially from the viewpoint of women. Nowadays, in the 21st century, in the midst of the threats of a new world war, director István Szabó K. presents Euripides’ The Trojan Women, based on a retelling by Sartre and Gyula Illyés, from the perspective of four women who are the original witnesses of the events that followed the fall of Troy. In his adaptation, colliding emotional and rational dimensions, we are presented with a picture of what should never have happened but was inevitable, as the gods took a gamble in their selfish game and, one way or another, Troy had to fall. In the performance, reflecting on the present situation, time is loosened and then completely dissolved, and with the haunting sounds and images from the great melting pot of history, it alludes to the eternal fire, to the smoking ruins. For the Helen of vanity is urging us to new campaigns of destruction, and no man can resist her temptation. While in the silence of death "only Trojan women give voice".

În secolul al XX-lea, sub influența războaielor mondiale, au primit o atenție deosebită dramele așa-zise „antirăzboi” ale lui Euripide – Hecuba și Troienele –, în care autorul arată suferința umană fără sens cauzată de război din perspectiva părții învinse, în special din punctul de vedere al femeilor. În zilele noastre, în secolul al XXI-lea, în mijlocul amenințărilor unui nou război mondial, regizorul István Szabó K. prezintă Troienele de Euripide, bazată pe o repovestire de Sartre și Gyula Illyés, din perspectiva a patru femei, care sunt martorele evenimentelor care au urmat căderii Troiei. În adaptarea sa, punând cap la cap dimensiuni emoționale și raționale, ni se prezintă o imagine a ceea ce nu ar fi trebuit să se întâmple niciodată, dar a fost inevitabil, deoarece zeii au pariat în jocul lor egoist și, într-un fel sau altul, Troia a fost nevoită să cadă. În spectacol, reflectând asupra situației prezente, noțiunea timpului se pierde și apoi se dizolvă complet, alături de sunetele și imaginile din marele creuzet al istoriei, care ajung să te bântuie, topindu-se în cele din urmă în focul etern, printre ruine fumegânde. Pentru că acea Elena a orgoliului ne mână spre noi campanii de distrugere și niciun om nu îi poate rezista. „Doar femeile troiene dau glas” tăcerii morții.

PREZENTARE COMPANIE

The Csokonai National Theater Debrecen was built in 1865. In 1915, it took the name of Mihály Vitéz Csokonai, the iconic poet of Debrecen. In 2012, it received national theater status. A complete renovation of the historic building started in 2018, and a new theater building in the Forum shopping mall, called the Csokonai Forum, was also completed. The renovated historic building opened to the public in September 2023. The theatre has three sections: prose, opera, and dance. The company has 30 actors.

Teatrul Național Csokonai Debrecen a fost fondat în 1865. În 1915, a luat numele de Mihály Vitéz Csokonai, poetul iconic al orașului Debrețin. În 2012, a primit statutul de teatru național. O renovare completă a clădirii istorice a început în 2018 și a fost finalizată și o nouă clădire a teatrului în centrul comercial Forum, numită Forumul Csokonai. Clădirea istorică renovată a fost deschisă publicului în septembrie 2023. Teatrul are trei secțiuni: proză, operă și dans. Compania are 30 de actori.